Covers fallen häufig langweilig aus. Oft fehlt der Mut zur Veränderung, wodurch sie ihren Originalen zu sehr ähneln und das schlechteste passiert, was einem Cover passieren kann: Der Vergleich mit dem Original! Bei Sufjan Stevens-Covers verhält sich das interessanterweise anders.

Auf Seven Swans Reimagined wurde es vorgemacht, Glowbug macht es mit “That was the worst Christmas ever!” auf ihrer aktuellen (und kostenlosen) EP Lights In The Snow perfekt nach und anderen vor: Nämlich ein Cover so zu verändern, dass eigener Charakter entstehen aber Wiedererkennung dennoch passieren kann! So schlecht ist, zumindest für uns, Weihnachten dann doch nicht.

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Songs for Christmas – wie wir dieses Album lieben! Allerdings: Diesmal meinen wir nicht jenes von Sufjan Stevens, sondern jenes der Branches, einer “fun-folk-force” Formation aus Los Angeles.

Gemeinsam mit den Amerikanern hören wir auf the death cat ein drittes Mal “O Come, O Come, Emmanuel” – und im Vergleich zu Joshua James und Golau Glau könnte es anders nicht wieder sein. Gemäß “fun-folk-force” versteckt sich in der oberflächlichen Ruhe dieser Folk-Nummer nämlich tatsächlich auch Freude und Power. Tief versteckt, aber doch.

Und so schließt sich allmählich der Kreis der “O Come, O Come, Emmanuel”-Versionen, womit am Ende bleibt: Rejoice! Rejoice! Until the Son of God appears!

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Es hat nur wenig mit Hail Mary zu tun, warum “Now And At The Hour Of Our Death” von The Brilliance so perfekt in die Adventszeit passt.

Warum ist das so? “Now And At The Hour Of Our Death” endet nicht dort, wo es “Hail Mary” tut, sondern geht weiter und findet genau dort Seelenheil, wo es seit Weihnachten und Ostern zu finden ist:

Holy mother of God, pray for us, pray for us […]
Oh merciful God, forgive us, forgive us […]
Oh Son of God, rescue us, rescue us […]
Now and at the hour of our death, Amen!

Während uns “Hail Mary” also im regnerischen Herbst zurücklässt, dürfen wir mit “Now And At The Hour Of Our Death” im Adventschnee toben und gemeinsam mit dem Frühling erwachen. Brilliant, The Brilliance!

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Found on old hard drive. Break me off a piece of that Kit-Kat bar.

Gefunden hat er die Nummer “Give A Little Love” bzw. “GiveALittleLove” (um sich nicht selbst mit Noah And The Whale zu verwechseln?), wahrscheinlich ein Outtake von All Delighted People. Wie dem auch sei. Es handelt sich auf jeden Fall um eine der besondereren Nummern in seinem Tumblr Ghetto auf Soundcloud, in dem er diese und andere (Augenmerk: “Silver & Gold”, eine Rohversion von “Justice Delivers Its Death”) Fundstücke sammelt. “Give A Little Love” wirkt stilistisch wie eine Kurzversion von “Impossible Soul”. Also von Auto-Tune und Chor bis hin zum groovigen Outro ist in knapp fünf Minuten Spielzeit alles vertreten.

Trotz (musikalischem) Ghetto: Wir kommen ab heute öfters vorbei!

Geschrieben hat Alexander

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Jon Brion schreibt keine Hits. Zumindest nicht für sich selbst und genau deshalb kennt man Jon Brion zwangsläufig auch nicht. Jon Brion kennt man dann, wenn man gerne die Musik amerikanischer Independent Musiker wie Fiona Apple, Rufus Wainwright oder Evan Dando, die Brion produzierte, hört oder gerne ins Kino geht. Gerade da erlebte der amerikanische Multi-Instrumentalist als Komponist zahlreicher Soundtracks vor allem im letzten Jahrzehnt eine gewisse Hochzeit, zeichnete er doch gleich für die Musik mehrerer erfolgreicher kleinerer Streifen verantwortlich. So entstammten seiner Feder u.a. Magnolia (1999), Punch-Drunk Love (2002), Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2004), I ♥ Huckabees (2004), The Break-Up (2006) sowie Synecdoche, New York (2008). Dabei immer wieder zu erkennen: Brion’s wunderbarer musikalischer Mix aus sanften Rhythmen, einfachen Streichern, eingängigen Melodien und markanten Harmonien – und manchmal auch Disharmonien.

Nicht umsonst wird Jon Brion als Multi-Instrumentalist beschrieben, nein, er lebt diese Gabe auch aus – auf seinen Alben spielt und bei seinen wenigen Konzerten tritt er meist solo auf. Was anfangs verschlossen und wenig zugänglich wirkt, hat einen entscheidenden Vorteil: Brion’s Musik wirkt eigentlich immer wie aus einem Guss, wie eine Geschichte, mit klarer Handlung, klarem Anfang, klarem Ende. Das wiederum macht Brion zugänglich, denn er bildet oft die Konstante – spezielle dann, wenn seine Musik die Untermalung für zu einem Großteil wirre Streifen, wie Punch-Drunk Love oder I ♥ Huckabees ist. Kein noch so nach Träume im Fieberwahn erinnerndes Drehbuch kann so schlimm, kein schauspielerischer Beinbruch so groß sein, dass sie nicht von Brion’s musikalischer Medizin geheilt werden könnten. Beispielhaft dafür ist Brion’s letzte Filmmusik, wo er mit ParaNorman gar einen Animationsfilm dank seines musikalischen Feinschliffs aufwertete. Und die rund dreiminütige Titelmelodie “Norman’s Walk” fasst eindrücklich zusammen, was Jon Brion als Musiker auszeichnet. Nur stehenbleiben sollte man als Zuhörer bei dieser einen Nummer nicht …

Geschrieben hat Alexander

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Wäre es nicht ohnehin anlässlich des Weihnachtsfestes, man wäre verleitet zu sagen: “Das ist ja wie Weihnachten!”. Sufjan Stevens beschert uns nach 2006 ein weiteres mal mit einer musikalischen Weihnachtsbox und diese macht anno 2012 nicht den Anschein, als würde sie hinsichtlich Idee, Umsetzung und Aufmachung (Stichwort: Tattoos) der Vorgängerin Songs for Christmas nachstehen. Ganz im Gegenteil: Sie wird vom aktuellen Schaffensuniversums unseres liebsten Amerikaners genau um jene Fabeln, Mythen und Wesen angereichert, die dieser wohl in der jüngeren Vergangenheit bei seinen galaktischen Rundreisen durchs Planetarium und in Form von The Age Of Adz im Mikrokosmos eines Royal Robertson erlebt hat. Was dabei herauskommt? Ein Christmas Unicorn! Das liegt schließlich in der Natur der Sache.

Dank “Christmas Unicorn” dürfen wir uns an Sufjan’s neuer Weihnachtsbox “Silver & Gold” bereits im Oktober freuen, denn bis das verfrühte Weihnachtsgeschenk im Weihnachtsvorverkauf über virtuelle Ladentische geht, dürfen wir den letzten und – Trommelwirbel – 58. (in Worten: achtundfünfzig) Track der Weihnachtsbox schon heute hören. Und das oft. Sehr oft sogar. Denn kurzweiliger, abwechslungsreicher, unterhaltsamer als dieses Weihnachtseinhorn können knappe 13 (in Worten: dreizehn) Minuten gar nicht sein. Wir stimmen ein, wenn es anderswo heißt:

“Christmas Unicorn” sounds exactly as the first page of a Google image search of “Christmas Unicorn”

Pointierter als das Musik-Magazin Beats Per Minute könnte man diese knappe Viertelstunde gar nicht umschreiben, mit der Sufjan wiederholtes Hören fast erzwingt. Denn ähnlich vielschichtig wie Sufjan das angesprochene “The Age Of Adz” mit dem fast schon legendären “Impossible Soul” beendet, ganz ähnlich vielschichtig geht das Weihnachtseinhorn seinen Weg, vollzieht dabei mehrere Sprünge und wechselt oftmals seine Farben. Was es grundsätzlich zu erzählen hat, hat es schon nach wenigen Minuten getan. Diese handeln von seinen vielen Gesichtern und davon, wie es eigentlich so gar nicht in diese Welt passt …

But I’ve seen others in the uniform
of a unicorn just like me.
We are legions wide and we chose no sides,
we are masters of mystique.

Traurig würde man meinen. Wäre da nicht dieses andere Einhorn, welches ausgerechnet zu Weihnachten auftaucht und Frieden stiftet, weil es genau gleich wie alle anderen Einhörner ist. “It’s alright, I love you” bleibt dann mal schnell nur noch zu sagen – und das gerade dann, wenn zu Joy Divisions “Love will tear us apart” ausgeholt wird. Hier prallen dann Welten zusammen, Universen. Und diese Weiten werden vom “Christmas Unicorn” überwunden. Wunderbar, so fantastisch soll Weihnachten sein!

Geschrieben hat Alexander

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Möchte man als Künstler eine Nummer covern, so würde die Wahl vieler wohl lange nicht auf eine Nummer der isländischen Ambient-Popper von Sigur Rós fallen. Minutenlanger isländischer, manchmal gar fiktiver Gesang und eine ausgefallenen Instrumentierung machen die Vorlage nämlich nicht unbedingt leicht zugänglich. Der Amerikaner Scott Mercado aka Manuok hat sich ein Sigur Rós-Cover aber dennoch zur Aufgabe gemacht. Und das erfolgreich wie wir meinen!

Die Wahl Mercados fiel dabei ausgerechnet auf “Untitled”. Wer das 2002er-Werk der Isländer kennt, der weiß, dass “Untitled” alleine noch nicht unbedingt etwas heißt. Untitled war 2002 alles: Der Name des Albums, der Name der Songs, das Aussehen des Albums. Erst bei genauem Hinhören verrät das Cover, zu finden auf Manuoks Letztwerk The Old Horse, mit “Untitled 1″, also der ersten Nummer des Albums, seinen Ursprung. Und im Gegensatz zum Sigur Rós ist es vor allem eines – gegensätzlich. Denn Manuok lässt “The Old Horse” so enden, wie Sigur Rós niemals sein wird: Kurz, kurzweilig und beinahe Englisch. So gelingt Scott Mercado eher ein neuer Song, als ein Cover. Das nennen wir dann eine Win-Win-Situation.

Geschrieben hat Alexander

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Irgendwo zwischen (Modern/Contemporary) Jazz, Instrumental, Post-Rock und Minimalism, irgendwo zwischen dieser und jener Musikrichtung, da findet sich das Portico Quartet aus Großbritannien. Viel interessanter aber als die Musikrichtungen, aus denen die vier Musiker schöpfen, ist die Musik, die sie tatsächlich machen, denn nur darum geht es schließlich.

Bereits die beiden letzten Alben Knee-Deep In The North Sea (2008) und Isla (2010) haben uns ein paar Lieblingstitel beschert. Auf der neuesten Platte – Portico Quartet (2012) – ist ein solcher Lieblingstitel “Ruins“. Hört man die Musik, dann ist das wie ein Blick auf eine Landschaft, in der die Augen zum Ruhen kommen, von einem Detail zum nächsten schweifen, von den Farben, vom Wind, vom Rhythmus getragen. Weite wäre vielleicht das richtige Wort dafür. Wohltuende Weite.

Kleiner Tipp: Wem “Ruins“ gefällt, kann den Titel übrigens gratis auf der Website der Band herunterladen.

Geschrieben hat Katrin

Katrin schreibt am liebsten über gute Musik wenn sie gerade Musik hört, hat es aber nicht so mit den Schubladen.

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2012 hat ihn endlich: Jenen kraftvollen, mitreißenden Song, den man normalerweise im selben Jahr kein zweites Mal mehr findet. Er kommt von Austra und heißt “Lose It”. Und man kann sich wahrhaft in ihn verlieren.

Es ist schwer zu begründen, was “Lose It” vom neuen Album Feel It Break zu diesem Ohrwurm macht. Da gibt es einerseits diesen treibenden Beat, der mitreißt, weil er in keiner Sekunde nachlässt. Anderseits ist da die Stimme von Katie Stelmanis mit ihrem weiten, weitreichenden Umfang, der einen Bogen zwischen inbrünstigem Gesang und klassischer Distanz zu spannen vermag. Emotionalen Zusatz bieten Stelmanis’ einstimmige Mehrstimmigkeit, also ihre eigene, vielfach ineinander gemischte Stimme, und die Rätsel, welche durch die Lyrics aufgegeben werden. Insbesondere letztere wirken anfangs bestenfalls unvollständig, da sie kaum zu deuten sind. Letztendlich sind es aber wohl genau sie, die “Lose It” auch auf lange Sicht Reiz verleihen. Denn ohne klar ersichtliche Bedeutung, bleiben sie lange für uns Hörer reizvoll zu drehen und zu wenden und zu deuten, um ihnen selbst diese Bedeutung zu geben.

Don’t wanna lose you, don’t wanna lose.
My face screams, my face screams,
my face screams without an emotion.

In the darkness comes, another, another.
Hold her by the thumbs, the other, the other.

Alles klar, oder? Ein Bild sagt aber bekanntlich mehr als tausend Worte. Das musikalische Highlight des Jahres sollte also besser selbst angehört und bebildert werden.

Geschrieben hat Alexander

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Viel passiert in den viereinhalb Minuten von “Drifters” eigentlich nicht. Bläser setzen ein, Bläser gestalten die Break, Bläser lassen “Drifters” ausklingen. OK, es sind ziemlich schöne Bläser. Posaunen und Trompeten. Rund um sie lauscht man Zeilen von Kelly Pratt aka Bright Moments. Sie bringen die Bedeutung von “Drifters” zum Ausdruck. Mit diesen Worten zum Beispiel:

Is it Tuesday or Saturday today? We will always be drifting with the tide again

Eine Nummer also, die einfach, aber genau in dieser Einfachheit großartig gemacht ist und immer wieder neu fasziniert. Ganz ohne Langeweile.

Drifters? Kelly Pratt meint schlichtweg, dass es uns im Leben hin und her bewegt, bildlich wie Treibholz im Wasser, und das Wann, die Zeit, dabei keine Rolle spielt, weil wir sie nicht beeinflussen können. Es ist interessant sich das vor Augen zu führen, denn es stellt sich die Frage, was es dann ist, was unser Leben bestimmt. Worin treiben wir? “Drifters” selbst hält sich dazu bedeckt. Es bleibt also die Frage, die wir selbst beantworten müssen. Wer hat eine Antwort?

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Diese Woche gab es ihn wieder: Den Moment, in dem man plötzlich innehält, weil Musik es zustande gebracht hat, zumindest für wenige Minuten alles rund um einen irgendwie nebensächlich erscheinen zu lassen. Geschafft haben das Daniel Martin Moore und Joan Shelley mit “First of August” von ihrem neuen, gemeinsamen Werk Farthest Field.

Die sanften Klänge akustischer Gitarren, die zarte, gar zärtliche Verbindung einer Frauen-, einer Männerstimme, die jede weitere Instrumentierung unnötig erscheinen lässt, bestimmen die Spur, die “First of August” hinterlässt. Das Gehörte erinnert in seiner Intensität stark an William Fitzsimmons. An The Tide Pulls From The Moon zum Beispiel. Nur das Daniel Martin Moore und Joan Shelley bedeutend erdiger zu Werke gehen. Das merkt man auch an der hier verlinkten Aufnahme. Sonderlich anders, aufwendiger arrangiert klingt auch die Aufnahme ihres an diesem Wochenende veröffentlichen Albums nicht. Und wahrscheinlich ist es den beiden genau deshalb gelungen, den Zauber der Aufnahme aus dem Emery Theatre in Over-the-Rhine, Cincinnati, Ohio für uns auch auf Platte zu verewigen. Danke. Irgendwann versuchen wir dann auch noch mehr über die beiden zu erfahren. Bis dahin wollen wir den besonderen Moment von “First of August” weiter auskosten. Er hält nämlich immer noch an.

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Singer of songs, friend of the road

So beschreibt sich Zachary Lucky selbst auf seinen Profilen im Internet. Und das glaubt man dem Singer/Songwriter schnell, entspricht doch seine für uns fast unaussprechliche Heimat Saskatchewan, zugleich auch Name seines letzten Albums, genau den Stereotypen des Genres. Google Maps zeigt die kanadische Prärieprovinz als weites, fast noch unerschlossenes Land, welches nur darauf wartet, von Folk-Barden wie Zachary Lucky bewandert und besungen zu werden. Das Ergebnis dieser perfekten Rahmenbedingungen sind dann mit “Back In The Fall” Paradebeispiele des Singer/Songwriter-Genres.

Während die eine oder andere Nummer auf Saskatchewan immerhin auch mit Streichern unterlegt oder im Duett gesungen wird, begnügt sich Zachary Lucky in “Back In The Fall” alleine mit seiner Gitarre – beziehungsweise einer Vielzahl an Gitarren. Saiten einer akustischen Gitarre werden hier ebenso angeschlagen wie jene vom Banjo und einer Lap-Steel-Gitarre. Gemeinsam mischen sie sich perfekt zu Luckys sentimentaler Stimme, die Entferntes besingt und die uns nicht nur zwischen den Zeilen von Dingen hören lässt, die weit weg sind – örtlich, wie zeitlich:

And all of the times I thought of you.
There was never any doubt that you were true

Auch wenn wir im Gegensatz zu Zachary Lucky vielleicht nicht durch die Weiten und Leeren einer Prärieprovinz wandern, so erleben wir Weiten und Leeren nicht selten genauso in unserem eigenen Leben, obwohl dieses oft dicht gefüllt, überfüllt gar ist. Und so können auch wir uns bei Luckys Zeilen zurücklehnen, seiner Musik lauschen und ihren langsamen Takt mitklopfen.

These songs are for Saskatchewan

Meint Zachary Lucky auf seiner Bandcamp-Seite. Das mag in seiner ursprünglichen Intention vielleicht stimmen, doch gefallen und inspirieren seiner Lieder mittlerweile auch ganz woanders. Schade, dass der Hörgenuss nicht über drei Minuten hinausgeht.

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Paola Brugiatti Goyez stellt gerne Lieder auf YouTube und hinterlegt diese mit Musik. Unter dem Nutzernamen paola2185 machte sie das zuletzt im Sommer 2011 und wahrscheinlich war es damals einfach nur Zufall, dass sie zu Ivan Colóns Nummer “Distance” als bildliche Untermalung ausgerechnet Eternal Sunshine Of The Spotless Mind wählte. Das amerikanische Drama von Michel Gondry aus dem Jahr 2004 mit Jim Carrey und Kate Winslet in den Hauptrollen könnte nämlich nicht besser zur ruhigen, einfühlsamen Nummer des Amerikaners Ivan Colón passen – und umgekehrt könnte Ivan Colón auch nicht besser zu Eternal Sunshine Of The Spottes Mind passen.

Viel findet man nicht von Ivan Colón in den Weiten des Internets. Ein verwaistes MySpace Profil hier, eine wenig frequentierte Facebook Page da. Ivan Colón würde wohl wenig auf sich aufmerksam machen, wäre nicht zumindest seine EP Despite The Atlantic von 2008 auf Spotify zu hören und würden sich von dieser EP nicht Nummern wie “Distance” auf YouTube finden lassen. Ziemlich schade eigentlich, denn man würde immens viel verpassen; wir hätten immens viel verpasst.

Als den größten Einfluss auf seine Musik nennt Ivan Colón Sufjan Stevens. Das ist wenig überraschend, wenn man Colóns Musik erst einmal gehört hat. “Distance” ist dabei auf “Despite The Atlantic” nur ein Beispiel unter vielen. Jede der sieben Nummern könnte genauso eine Aufnahme von Sufjan Stevens sein. Das ist ein Vergleich, der keinesfalls nur müden Abklatsch impliziert. Ivan Colón gelingt es, ausreichend Individuelles seiner Musik beizumengen. Letzteres besonders durch authentische, ehrliche Texte, welche Themen wie den persönlichen Glauben ganz zentral behandeln. Dabei bleiben bei Colón aber stets die persönliche Aspekte seines Glaubens im Mittelpunkt stehen – und nicht etwa missionarischer Eifer.

I don’t try to mask the spirituality in my songs. If I need to say something, then I’ll make no apologies for it. My music does contain spiritual themes, but these appear only because I’m a Christian who happens to write songs.

Ob man mit dieser Spiritualität persönlich als Zuhörer etwas verbindet, oder nicht, ist dabei fast gleichgültig. Denn worüber Ivan Colón auch immer singen mag, man spürt, dass sein Innerstes erzählt – und da hört man gerne einfach nur mal zu.

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Cigarettes in the rain,
it’s a long life anyway,
it’s a long life anyway.

Im Regen stehen und stehen bleiben. Sinnbild des Alleinseins. Müde werden und müde bleiben. Müde sein wollen. Genügsam – würde man meinen. Zustandslos – meint man. Sinnbild vieler Gegenwarten.

And the hardest thing was fallin’,
down the staircase gracefully,
to an unending sea of last
laughs given back to me.

Vor Schmerzen winden, vor Lachen krümmen. Zwei Extreme, nicht selten Hand in Hand. Beziehungen als Glashäuser. Dauerhaft mit Steinen beworfen, von Steinen getroffen – innen wie außen. Zerbrechlich, fragil. Wie könnte es anders sein? Nie könnte es anders sein.

Wine where the dark river bleeds
light through the trees,
fireworks for leaves.
Strange in the sadness like waves,
breaking of days,
only blackwoods remain,
only blackwoods remain.

Die Zeit Revue passieren lassen. Nachdenken, aber ohne Wunsch auf Erkenntnis. Blick nach vorne, nicht nach hinten. Flucht dorthin, wo nichts mehr nichts mehr sieht. Lösung auf Zeit. Für den Moment genug.

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Es war wie ein verfrühtes Weihnachtsgeschenk, als vor einem Jahr eine neue, wenn auch bis heute inoffizielle Songs for Christmas Volume von Sufjan Stevens in der Blogosphäre auftauchte. Wenige Tage vor Weihnachten wurde mit Volume 6 endlich ein weiterer Missing Link zwischen den als CD-Box veröffentlichten Volumes 1 bis 5 und der EP Volume 8 entdeckt. Und das war so schön, dass gleich zu Beginn der EP die Engel im Weihnachtsklassiker “Silent Night” vor Freude jaulten. Gloria!

Wir lieben Sufjan Stevens, das ist hinlänglich bekannt. Die Vorstellung jaulender Engel ist darum mit einem doppelten Augenzwinkern zu verstehen, entbehrt aber nicht einer gewissen Wahrheit. Tatsache aber ist, dass Stevens Interpretation von “Silent Night” bis zur abschließenden Wiederholung der Strophe in Jaulform der Inbegriff harmonischer Schönheit ist. Kein Wunder, war Stevens doch gemeinsam mit Aaron und Bryce Dessner von The National und Richary Parry von Arcade Fire am Werk, dank deren kongenialen Zusammenspiels selbst das Jaulen der Engel sein gutes Ende in absoluter Konsonanz findet und so auch wiederholtes Hören zu einem immer wiederkehrenden Genuss macht. Da ist es richtiggehend gut, dass wir diese Tage erst den dritten Advent gefeiert haben und wir dem unkonventionellen Engelsang noch ein wenig länger lauschen dürfen. Dieser Wohlzustand kommt gleich nach der Hoffnung, dass mit Volume 7 noch in diesem Jahr auch das letzte fehlende Stück in Sufjan Stevens “Songs for Christmas”-Puzzle gefunden wird.

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Wie auch 2010 wollen wir auch dieses Jahr Weihnachten wieder mit der passenden Musik an den Adventsonntagen einläuten. Der frühe erste Advent im November hat uns diese Tage selbst überrascht, weshalb wir die erste musikalische Empfehlung am heutigen ersten Dezembertag zwar verspätet, aber hoffentlich immer noch rechtzeitig aussprechen: Mit dem beschwingtem “Why Can’t It Be Christmastime All Year” von Rosie Thomas!

Es sind jene Tage in dieser Jahreszeit, die weniger Spaß machen. Es ist kalt, ohne die Sonne zu spüren. Es ist neblig, ohne die Romantik des Schnees zu genießen. Seine schönsten Seiten, die wir im Zuge von Lia Ices Album Grown Unknown noch so sehr bewundert haben, hat der Herbst schon vor Wochen hinter sich gelassen, der erste Advent kommt da in diese Trübnis vielleicht gerade recht. Nämlich mit der Legitimation spätestens jetzt wieder fröhliche Weihnachtslieder zu hören – öffentlich, laut und mitsingend! Und nachdem wir uns von Wham!‘s Last Christmas spätestens letztes Jahr satt gehört haben, darf 2011 Rosie Thomas aus New York ran. Und so wie sie in “Why Can’t It Be Christmastime All Year” von ihrem Weihnachtsalbum mit dem wortspielenden Titel A Very Rosie Chritsmas wollen auch wir die nächsten Wochen sehen: locker, beschwingt, einfach fröhlich. Gründe soll es dafür ja genug geben.

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Rein textlich betrachtet handelt es sich bei “Sweetest Thing” von The Rifles um keine Offenbarung. So macht es wohl nicht von ungefähr den Eindruck, dass die englische Indie Rock-Band aus London angesichts des bestechend eingängigen, positiven Refrains die zweite Strophe von “Sweetest Thing” auf das Allernotwendigste, nämlich nur einen Satz reduzierte. Dank des Refrains wirken textliche Schwächen nämlich höchstens zweitrangig und ist “Sweetest Thing” mit einen Schlag erhoben zur Aufnahme in den erlesenen Kreis der Songs, die keine Strophen brauchen.

It’s ‘cos I love you girl I need you more and more,
I know I need you girl of that I’m sure I’m sure.
And when the rain does come I’ll be by your side,
you’re my summertime I feel I’m alright.
Through the winds of time I will not try to fight,
even when you’re wrong you’re always right.

‘Cos it’s the sweetes thing, it’s you that I adore,
‘cos it’s the sweetest thing my feet don’t touch the floor.

Ähnlich wie bei Christian Kjellvander, dessen Nummer Two Souls die erste auf diesem Blog reflektierte Nummer war, die vom Refrain alleine lebte und deren Strophen und Bridges nur Sprungbretter zu eben diesem waren, so verhält es sich auch bei The Rifles’ “Sweetest Thing”: Die Nummer vom Letztwerk Freedom Run gefällt besonders durch ihren Refrain und überzeugt auch sonst durch ihre grundlegende, in Anbetracht dessen, was man sonst von The Rifles kennt, überraschend positive Art. Vom Intro weg wird gute Laune versprüht und da wir diese sowieso immer brauchen, nehmen wir sie gerne an. Völlig egal, worum es im Lied dann eigentlich geht – und anyway: It’s you that I adore!

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Erst vor kurzem klärte Rey Villalobos aka House of Wolves seine Konzertbesucher im Wiener rhiz über den Grund seiner ungemein feinfühligen, von uns sogar als “zärtlich” empfundenen Musik auf: Sie entstand aus Rücksichtnahme auf seine Nachbarn! Damit sorgte der Amerikaner für Lacher, doch ganz so unüblich scheint dieses Szenario, indem Musiker beim Komponieren Rücksicht auf ihre Nachbarn nehmen, gar nicht zu sein. Auch vom Berliner Pianisten Nils Frahm war diese Tage im Zuge der Veröffentlichung seines neuen Albums Felt entsprechendes zu hören:

Ursprünglich wollte ich meinen Nachbarn mit dem gedämpften Klavier einen Gefallen tun: Wenn ich in der nächtlichen Stille spielen möchte, ist die einzig rücksichtsvolle Möglichkeit das Klavier mit Filz zu versehen und mit behutsamen Fingern zu spielen. Dadurch entdeckte ich, wie schön mein Klavier gedämpft klingt.

Das verlinkte Familiar zeigt beispielhaft auf, welch große Stärke die einzelnen Stücke von Felt eben genau wegen dieser Rücksichtnahme und wegen der dadurch entstandenen Reduktion und Behutsamkeit, die sein präpariertes Klavier erwirkte, erzielen konnte. Eingefangen wurde diese mit einer Vielzahl am Klavierkorpus befestigter Mikrofone – gemeinsam mit allen natürlichen Nebengeräuschen. Auf Felt erwartet uns als Hörer somit ein krasser Gegensatz zum klirrenden Werk The Bells, was den Charakter der einzelnen Stücke betrifft. Auf Felt erwartet uns aber zugleich auch die angenehmste Ergänzung zum klirrenden Werk “The Bells”, was die Authentizität zeitgenössischer Musik betrifft. Bitte mehr davon!

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Aus (ja genau dem!) Fargo in North Dakota kommend, halten Secret Cities auf ihrem so nach Sommer klingenden Album Strange Hearts nach den ersten beiden Nummern inne, um uns mit “The Park” wenige Tage vor seinem offiziellen Start auch die perfekte Nummer für den Herbst zu bringen. Sie ist hymnisch, leicht abgedunkelt, macht nachdenklich. Perfekt also, um in diesen Tagen auf verregneten Fensterscheiben Wassertropfen beim Wettlaufen zuzusehen.

Wie der Rest des Albums, so klingt auch “The Park” ungeschliffen, unkonkret, darum wohl so überschaubar, als könnte die Nummer problemlos aus des Nachbarn Garage tönen – oder aus dem Keller einer aufgelassenen Bank in Kansas City, wo Secret Cities “Strange Hearts” und somit “The Park” tatsächlich aufgenommen haben. Und mit ihrem zur Perfektion getriebenen Psychedelic Pop hätten Secret Cities vor 15 Jahren wohl auch einen guten Beitrag zu Joel und Ethan Coen’s Film Fargo geleistet. Ganz ohne blutigen Schnee.

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