the death cat, independent music re/viewed » Folk

Alle Jahre wieder: Rejoice! Rejoice! Diesmal mit Branches

Alexander — Thu, 12 Dec 2013 11:17:47 +0000

Songs for Christmas – wie wir dieses Album lieben! Allerdings: Diesmal meinen wir nicht jenes von Sufjan Stevens, sondern jenes der Branches, einer “fun-folk-force” Formation aus Los Angeles.

Gemeinsam mit den Amerikanern hören wir auf the death cat ein drittes Mal “O Come, O Come, Emmanuel” – und im Vergleich zu Joshua James und Golau Glau könnte es anders nicht wieder sein. Gemäß “fun-folk-force” versteckt sich in der oberflächlichen Ruhe dieser Folk-Nummer nämlich tatsächlich auch Freude und Power. Tief versteckt, aber doch.

Und so schließt sich allmählich der Kreis der “O Come, O Come, Emmanuel”-Versionen, womit am Ende bleibt: Rejoice! Rejoice! Until the Son of God appears!

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Alexander schreibt am liebsten über die neuesten Entdeckungen aus den Genres Folk und Instrumental.

Brilliant: The Brilliance mit Now And At The Hour Of Our Death

Alexander — Wed, 04 Dec 2013 13:57:45 +0000

Es hat nur wenig mit Hail Mary zu tun, warum “Now And At The Hour Of Our Death” von The Brilliance so perfekt in die Adventszeit passt.

Warum ist das so? “Now And At The Hour Of Our Death” endet nicht dort, wo es “Hail Mary” tut, sondern geht weiter und findet genau dort Seelenheil, wo es seit Weihnachten und Ostern zu finden ist:

Holy mother of God, pray for us, pray for us […]
Oh merciful God, forgive us, forgive us […]
Oh Son of God, rescue us, rescue us […]
Now and at the hour of our death, Amen!

Während uns “Hail Mary” also im regnerischen Herbst zurücklässt, dürfen wir mit “Now And At The Hour Of Our Death” im Adventschnee toben und gemeinsam mit dem Frühling erwachen. Brilliant, The Brilliance!

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Es ist wirklich genau das, was uns zu Weihnachten noch gefehlt hat: Ein Christmas Unicorn! Danke Sufjan Stevens!

Alexander — Tue, 16 Oct 2012 08:10:31 +0000

Wäre es nicht ohnehin anlässlich des Weihnachtsfestes, man wäre verleitet zu sagen: “Das ist ja wie Weihnachten!”. Sufjan Stevens beschert uns nach 2006 ein weiteres mal mit einer musikalischen Weihnachtsbox und diese macht anno 2012 nicht den Anschein, als würde sie hinsichtlich Idee, Umsetzung und Aufmachung (Stichwort: Tattoos) der Vorgängerin Songs for Christmas nachstehen. Ganz im Gegenteil: Sie wird vom aktuellen Schaffensuniversums unseres liebsten Amerikaners genau um jene Fabeln, Mythen und Wesen angereichert, die dieser wohl in der jüngeren Vergangenheit bei seinen galaktischen Rundreisen durchs Planetarium und in Form von The Age Of Adz im Mikrokosmos eines Royal Robertson erlebt hat. Was dabei herauskommt? Ein Christmas Unicorn! Das liegt schließlich in der Natur der Sache.

Dank “Christmas Unicorn” dürfen wir uns an Sufjan’s neuer Weihnachtsbox “Silver & Gold” bereits im Oktober freuen, denn bis das verfrühte Weihnachtsgeschenk im Weihnachtsvorverkauf über virtuelle Ladentische geht, dürfen wir den letzten und – Trommelwirbel – 58. (in Worten: achtundfünfzig) Track der Weihnachtsbox schon heute hören. Und das oft. Sehr oft sogar. Denn kurzweiliger, abwechslungsreicher, unterhaltsamer als dieses Weihnachtseinhorn können knappe 13 (in Worten: dreizehn) Minuten gar nicht sein. Wir stimmen ein, wenn es anderswo heißt:

“Christmas Unicorn” sounds exactly as the first page of a Google image search of “Christmas Unicorn”

Pointierter als das Musik-Magazin Beats Per Minute könnte man diese knappe Viertelstunde gar nicht umschreiben, mit der Sufjan wiederholtes Hören fast erzwingt. Denn ähnlich vielschichtig wie Sufjan das angesprochene “The Age Of Adz” mit dem fast schon legendären “Impossible Soul” beendet, ganz ähnlich vielschichtig geht das Weihnachtseinhorn seinen Weg, vollzieht dabei mehrere Sprünge und wechselt oftmals seine Farben. Was es grundsätzlich zu erzählen hat, hat es schon nach wenigen Minuten getan. Diese handeln von seinen vielen Gesichtern und davon, wie es eigentlich so gar nicht in diese Welt passt …

But I’ve seen others in the uniform
of a unicorn just like me.
We are legions wide and we chose no sides,
we are masters of mystique.

Traurig würde man meinen. Wäre da nicht dieses andere Einhorn, welches ausgerechnet zu Weihnachten auftaucht und Frieden stiftet, weil es genau gleich wie alle anderen Einhörner ist. “It’s alright, I love you” bleibt dann mal schnell nur noch zu sagen – und das gerade dann, wenn zu Joy Divisions “Love will tear us apart” ausgeholt wird. Hier prallen dann Welten zusammen, Universen. Und diese Weiten werden vom “Christmas Unicorn” überwunden. Wunderbar, so fantastisch soll Weihnachten sein!

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Sam Billen macht Musik. Gute Musik. Places zum Beispiel

Alexander — Tue, 25 Sep 2012 22:35:06 +0000

Es ist eigentlich kaum vorstellbar, dass sich Sam Billen mit seinem neuen Album Places nicht selbst überrascht hat. Als Hörer ist man es nämlich: Überrascht. Super-überrascht gewissermaßen, denn Sam Billen gelingt mit seinem Letztwerk eine derart gelungene Stilwandlung, wie man sie nur selten erlebt. Aus dem eher rauhen Folk-Barden, der über Kickstarter schon mal Geld für ein Weihnachtsalbum gesammelt hat, wurde ein Künstler, dessen filigrane Kompositionen ihren Vorbildern von Bon Iver und Dear Reader um nichts nachstehen.

Auch Places ist ein Kickstarter-Projekt. Dort wird folgendes verrarten:

Peerless Mastering will be adding the finishing touches to the album. They’ve mastered albums by Bon Iver, The Magnetic Fields, Spoon, etc. Need I say more?

Nach einer ersten Erkenntnisreaktion (Achso! Naja, ach dann!) merkt man schnell, das die bloße Anlehnung an etwas Großem noch lange nichts Großes hervorbringen muss. Zu oft wird aus der Anlehnung nämlich nur eine billige Kopie, die Gratwanderung zwischen Inspiration und Imitation wird gar zu selten gemeistert. Umso erstaunlicher ist dann schon, dass ausgerechnet eine DYI-Produktion eben nicht zur billigen Kopie, sondern zum perfekten Ableger wird.

Sam Billen singt, musiziert, produziert und vermarktet selbst. All das scheint irgendwie problemlos jenem simplen Statement zu entstammen, welches seine Website schmückt: Sam Billen makes music heißt es dort. Nicht mehr und nicht weniger. Und wenn “Places” noch dazu the closest I’ve come to expressing my deepest emotions – struggles and joys – in my music ist, also auch den Künstler, der uns ein tolles Werk beschert hat, beschert, dann ist das doch wirklich erstaunlich, oder? Denn von wunderbaren Nummern wie “Saltine”, “Choices”, “Oh Yeah Oh Yeah” haben wir alle was.

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Kann man Sigur Ros covern? Manuok kann!

Alexander — Wed, 29 Aug 2012 21:58:12 +0000

Möchte man als Künstler eine Nummer covern, so würde die Wahl vieler wohl lange nicht auf eine Nummer der isländischen Ambient-Popper von Sigur Rós fallen. Minutenlanger isländischer, manchmal gar fiktiver Gesang und eine ausgefallenen Instrumentierung machen die Vorlage nämlich nicht unbedingt leicht zugänglich. Der Amerikaner Scott Mercado aka Manuok hat sich ein Sigur Rós-Cover aber dennoch zur Aufgabe gemacht. Und das erfolgreich wie wir meinen!

Die Wahl Mercados fiel dabei ausgerechnet auf “Untitled”. Wer das 2002er-Werk der Isländer kennt, der weiß, dass “Untitled” alleine noch nicht unbedingt etwas heißt. Untitled war 2002 alles: Der Name des Albums, der Name der Songs, das Aussehen des Albums. Erst bei genauem Hinhören verrät das Cover, zu finden auf Manuoks Letztwerk The Old Horse, mit “Untitled 1″, also der ersten Nummer des Albums, seinen Ursprung. Und im Gegensatz zum Sigur Rós ist es vor allem eines – gegensätzlich. Denn Manuok lässt “The Old Horse” so enden, wie Sigur Rós niemals sein wird: Kurz, kurzweilig und beinahe Englisch. So gelingt Scott Mercado eher ein neuer Song, als ein Cover. Das nennen wir dann eine Win-Win-Situation.

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Bitte nur kein ordentliches Studioalbum produzieren, Noah Gundersen. Family passt so wie es ist

Alexander — Sat, 04 Aug 2012 17:24:32 +0000

Noah Gundersen macht Musik bisher nur im Kleinformat – und zwar in Form einfach eingespielter EPs wie “Family”. Unterstützt wird er dabei nur von Schwester Abby, die mit Violine und Hintergrundgesang einen Kontrastpunkt (beziehungsweise eine Vielzahl an Kontrastpunkten) zu Noahs eigenem Gesang und seinem Gitarrenspiel setzt. Das funktioniert gut. Sehr gut sogar. Nämlich auf die eindringlichste aller Arten.

Wenn Noah Gundersen singt, dann ist das nur eingeschränkt als Musik zu bezeichnen. Zumindest dann, wenn man Musik als Inszenierung versteht, denn Noah Gundersen inszeniert nicht, er sinniert – mit jedem Wort seiner Texte, mit jeder Emotion in seinen Melodien. Darum hören wir auf “Family” Zeilen wie …

David:

i want to hunt like David,
i want to kill me a giant man,
i want to slay my demons
but i’ve got lots of them, i’ve got lots of them

Fire:

When the devil came to visit me,
he said “Son, i am your enemy”
– fear me!
But it came to my surprise
i was drawn by the fire

Garden:

But wait, oh wait,
see how the morning breaks
It’s the simplest of love songs,
but it’s all our hearts can take
and though we lose our stake
heaven is where we make it,
even in the smallest places, can a garden grow

Auf der Bandcamp-Seite von Noah Gundersen ist die Rede davon, dass diesen Herbst ein “ordentliches Studioalbum” aus seinen EPs entstehen wird. Eigentlich wünschen wir uns das nicht, denn die Gefahr zu verlieren, was wir und über 10.000 andere Facebook-Fans durch seine EPs bisher gewonnen haben, ist einfach viel zu groß.

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Sich in Lose It von Austra selbst verlieren

Alexander — Sun, 08 Jul 2012 21:36:50 +0000

2012 hat ihn endlich: Jenen kraftvollen, mitreißenden Song, den man normalerweise im selben Jahr kein zweites Mal mehr findet. Er kommt von Austra und heißt “Lose It”. Und man kann sich wahrhaft in ihn verlieren.

Es ist schwer zu begründen, was “Lose It” vom neuen Album Feel It Break zu diesem Ohrwurm macht. Da gibt es einerseits diesen treibenden Beat, der mitreißt, weil er in keiner Sekunde nachlässt. Anderseits ist da die Stimme von Katie Stelmanis mit ihrem weiten, weitreichenden Umfang, der einen Bogen zwischen inbrünstigem Gesang und klassischer Distanz zu spannen vermag. Emotionalen Zusatz bieten Stelmanis’ einstimmige Mehrstimmigkeit, also ihre eigene, vielfach ineinander gemischte Stimme, und die Rätsel, welche durch die Lyrics aufgegeben werden. Insbesondere letztere wirken anfangs bestenfalls unvollständig, da sie kaum zu deuten sind. Letztendlich sind es aber wohl genau sie, die “Lose It” auch auf lange Sicht Reiz verleihen. Denn ohne klar ersichtliche Bedeutung, bleiben sie lange für uns Hörer reizvoll zu drehen und zu wenden und zu deuten, um ihnen selbst diese Bedeutung zu geben.

Don’t wanna lose you, don’t wanna lose.
My face screams, my face screams,
my face screams without an emotion.

In the darkness comes, another, another.
Hold her by the thumbs, the other, the other.

Alles klar, oder? Ein Bild sagt aber bekanntlich mehr als tausend Worte. Das musikalische Highlight des Jahres sollte also besser selbst angehört und bebildert werden.

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Reinvent, Remember, Replay. Jars Of Clay erinnern sich an sich selbst

Alexander — Mon, 25 Jun 2012 09:38:44 +0000

Der Name der Jars Of Clay-EP lässt doch ziemlich genau auf ihren Inhalt schließen und mag auf den ersten Blick nicht sonderlich einfallsreich klingen. Ebenso ihr Cover. Es wirkt mit seinem einfachen Motiv und seiner kindlichen Farbwahl bestenfalls kurzfristig entstanden. Das verwundert insbesondere deshalb, weil Reinvent, Remember, Replay selbst alles hat, was dem Cover fehlt: Einfallsreichtum, Kreativität, Besonderheit. Und all das, obwohl es sich nur um Coverversionen eigener Songs handelt.

Nun ja, zugegebenermaßen handelt es sich bei den fünf Nummern nicht um irgendwelche Coverversionen, sondern um jene von Nummern, die bereits im Original zu den absoluten Top-Songs von Jars Of Clay gehörten. Neben neueren Nummern wie “All my Monsters” vom Letztwerk interpretieren die Amerikaner mit “Crazy Times” und “Tea and Sympathy” genauso Klassiker vom elegischen Much Afraid, einem ihrer ersten Werke. Was die Nummern dabei “reinvented” macht lässt sich schnell erhören. Jars Of Clay haben die Einfachheit und kindliche Gestaltung des Cover direkt auch in ihre Musik einfließen lassen. Reinvent, Remember, Replay wurde durch den viel direkteren Zugang in inhaltlicher wie musikalischer Hinsicht auf ihren Kern (auf das Notwendigste?) reduziert und wirken als Songs darum so authentisch und unmittelbar, wie schon seit ihrem Erstlingswerk aus dem Jahr 1995 nicht mehr. Und an diese Zeit erinnern wir uns wohl alle gerne – Stichwort: “Love Song For A Savior” – zurück …

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Warum wird ein Lied wie Drifters von Bright Moments eigentlich nie langweilig?

Alexander — Sat, 09 Jun 2012 11:04:16 +0000

Viel passiert in den viereinhalb Minuten von “Drifters” eigentlich nicht. Bläser setzen ein, Bläser gestalten die Break, Bläser lassen “Drifters” ausklingen. OK, es sind ziemlich schöne Bläser. Posaunen und Trompeten. Rund um sie lauscht man Zeilen von Kelly Pratt aka Bright Moments. Sie bringen die Bedeutung von “Drifters” zum Ausdruck. Mit diesen Worten zum Beispiel:

Is it Tuesday or Saturday today? We will always be drifting with the tide again

Eine Nummer also, die einfach, aber genau in dieser Einfachheit großartig gemacht ist und immer wieder neu fasziniert. Ganz ohne Langeweile.

Drifters? Kelly Pratt meint schlichtweg, dass es uns im Leben hin und her bewegt, bildlich wie Treibholz im Wasser, und das Wann, die Zeit, dabei keine Rolle spielt, weil wir sie nicht beeinflussen können. Es ist interessant sich das vor Augen zu führen, denn es stellt sich die Frage, was es dann ist, was unser Leben bestimmt. Worin treiben wir? “Drifters” selbst hält sich dazu bedeckt. Es bleibt also die Frage, die wir selbst beantworten müssen. Wer hat eine Antwort?

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Daniel Martin Moore und Joan Shelley. First of August im Mai

Alexander — Sun, 13 May 2012 19:46:19 +0000

Diese Woche gab es ihn wieder: Den Moment, in dem man plötzlich innehält, weil Musik es zustande gebracht hat, zumindest für wenige Minuten alles rund um einen irgendwie nebensächlich erscheinen zu lassen. Geschafft haben das Daniel Martin Moore und Joan Shelley mit “First of August” von ihrem neuen, gemeinsamen Werk Farthest Field.

Die sanften Klänge akustischer Gitarren, die zarte, gar zärtliche Verbindung einer Frauen-, einer Männerstimme, die jede weitere Instrumentierung unnötig erscheinen lässt, bestimmen die Spur, die “First of August” hinterlässt. Das Gehörte erinnert in seiner Intensität stark an William Fitzsimmons. An The Tide Pulls From The Moon zum Beispiel. Nur das Daniel Martin Moore und Joan Shelley bedeutend erdiger zu Werke gehen. Das merkt man auch an der hier verlinkten Aufnahme. Sonderlich anders, aufwendiger arrangiert klingt auch die Aufnahme ihres an diesem Wochenende veröffentlichen Albums nicht. Und wahrscheinlich ist es den beiden genau deshalb gelungen, den Zauber der Aufnahme aus dem Emery Theatre in Over-the-Rhine, Cincinnati, Ohio für uns auch auf Platte zu verewigen. Danke. Irgendwann versuchen wir dann auch noch mehr über die beiden zu erfahren. Bis dahin wollen wir den besonderen Moment von “First of August” weiter auskosten. Er hält nämlich immer noch an.

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Alexander schreibt am liebsten über die neuesten Entdeckungen aus den Genres Folk und Instrumental.

I Thought I Was an Alien. Und wir dachten es käme nie: Sokos Debut

Katrin — Thu, 26 Apr 2012 11:41:52 +0000

Seit ihrem genauso einprägsamen wie eigenwilligen Hit I’ll Kill Her (2007) wartete man auf mehr. Mehr von der jungen Französin Stéphanie Sokolinski – auf den Bühnen dieser Welt auch besser bekannt als Soko.

Fünf Jahre hat es gedauert bis Sokos Debut-Album I Thought I Was an Alien letzten Monat dann schließlich herauskam. Das Warten hat sich gelohnt: 15 Titel und mindestens ebenso viele Geschichten. Die Sängerin und Schauspielerin beweist dabei viel Liebe zum Detail, ohne jedoch ihre Songs überzustrapazieren. Das Einzige was man auf der Platte “überstrapaziert” nennen könnte, ist das beinahe durchgehende Thema “Herz-Schmerz”. Andererseits, wie könnte man charmanter über Liebe und Leid singen als in französisch akzentuiertem Sprechgesang? Das hat Soko ja bereits in ihrem eifersuchtsgeladenen “I’ll Kill Her” bewiesen, zumindest klang darin sogar die Morddrohung süß.

Zurück zu “I Thought I Was an Alien”. Bereits die Einleitung “I Just Want to Make It New With You” besticht durch Ehrlichkeit.

You will discover me through my songs

Learn my heart breaks and fears and depression

Hear all the cracks and the lack of talent

And I hope that you don’t hate me by then

So schlimm wird es nicht kommen. Bereits beim zweiten Titel “I Thought I Was an Alien” fühlt man sich wie auf Urlaub irgendwo in Sokos Welt. Es geht in gemächlichem, ehrlichem Ton weiter. Im Vordergrund stehen Sokos kleine Geschichten, die dann immer wieder in zarte Melodien übergehen, begleitet von Gitarren, Streichern, ein paar Drums. Man muss Soko wohl schon zuhören wollen, um bei den teilweise recht emotionalen Liedern mitgehen zu können. Und vielleicht gelingt das deshalb so gut, weil die Worte nicht groß sind, die Stimme nicht überschwänglich, sondern auf minimalistische Art und Weise über große Gefühle gesungen wird. Gerade wenn man meint, man wüsste langsam was als nächstes kommt, überrascht Soko mit ihrer direkten, schlichten und manchmal trockenen Wortwahl. Und man spürt auch, dass in diesem Album Zeit steckt. Wieviel, das kann man nur ahnen, wenn die heute 25-Jährige mal von sich als 18-, mal als 22-Jährige singt.

Nach einem hitverdächtigem Song wie dem jetzt bereits zum dritten Mal erwähnten “I’ll Kill Her” wird man auf der Platte vergebens suchen, dennoch geht man nach Hören von “I Thought I Was An Alien” nicht mit leeren Händen davon. Zurück bleibt vor allem Sokos erfrischende Ehrlichkeit und das Gefühl ein paar bewegenden Momenten einer jungen Künstlerin ganz nah gekommen zu sein.

Geschrieben hat Katrin

Katrin schreibt am liebsten über gute Musik wenn sie gerade Musik hört, hat es aber nicht so mit den Schubladen.

Planetarium: Mit Sufjan Stevens, Nico Muhly und Bryce Dessner einmal quer durchs All

Alexander — Tue, 24 Apr 2012 13:59:23 +0000

Nachdem sich Sufjan Stevens in den vergangenen Jahren aufgrund stets wechselnder und konstant beeindruckender Musik ja quasi für jede gute Playlist unersetzbar gemacht hat, wird man nach einem Jahr wie 2011, einem Jahr ohne Neuveröffentlichung des Amerikaners, doch ein wenig nervös. Diese Nervosität durfte Anfang des Monats aber weichen und an ihre Stelle rückte zur Freude aller Vorfreude! Gemeinsam mit Nico Muhly und Bryce Dessner von The National gab Sufjan Stevens dieses Monat gleich mehrere Konzerte in europäischen Städten, auf denen jeder der drei Musiker nicht nur Auszüge des eigenen Repertoires zum Besten gaben, sondern mit Planetarium ein kollektives Werk präsentierte, welches schon jetzt, vor einer möglichen Veröffentlichung, so klingt, wie es sein Inhalt vermuten lässt: Episch!

Tonight we are celebrating our Solar System – songs about the sun, the moon and the planets

So stellt Sufjan Stevens das Werk des neu zusammengestellten Künstler-Trios beim Konzert in Amsterdam am 8. April vor. Rein inhaltlich könnte einem etwas wie Planetarium schon verwundern, ein dem Sonnensystem gewidmeter Songzyklus ist schließlich nichts Alltägliches. Da aber mit Sufjan Stevens ein Mann verantwortlich zeichnet, der vor wenigen Jahren mit The BQE eine ganze Symphonie alleine für eine Autobahn geschrieben hat, hält sich die Verwunderung in Grenzen. Mittlerweile glauben wir dem New Yorker nämlich, dass er mit seiner Musik dazu im Stande ist, uns für jede noch so karge Alltäglichkeit zu begeistern. Und wenn das einst bei einer Autobahn schon gut funktioniert hat, warum dann nicht auch beim Sonnensystem?

Viel weiß man noch nicht über das Trio Stevens-Dessner-Muhly. Wo die Kollaboration mit Muhly gänzlich neu scheint, so wissen wir zumindest von einer schon länger bestehenden Freundschaft zwischen Stevens und Bryce Dessner. So gab Sufjan schon einige Male den Support bei Konzerten von The National und spielte mit den Dessner-Brüdern 2010 gar zwei Weihnachtslieder ein, die im Internet seither inoffiziell auf der EP “Songs for Christmas Volume 6″ kursieren. Was aber auch immer die Geschichte hinter dieser Kollaboration sein mag, ihr ungemeines Potential liegt auf der Hand, wenn sich Sufjan Stevens, einer der im Moment wohl angesagtesten Songschreiber, Nico Muhly, einem Jungkomponisten, der spätestens seit seinem Soundtrack zu Der Vorleser einer breiteren Öffentlichkeit bekannt wurde, und Bryce Dessner, einem Mann, der dank seiner Band The National just noch die fehlende Brise Gitarrenrock mitbringt, zusammenschließen. Ergebnisse dieser Kollaboration sind Nummern wie Neptune, Jupiter oder das hier verlinkte Uranus, deren klassische Arrangements symphonischen Ausmaßes gepaart mit dem tragenden Klang von Gitarren und dem gegensätzlichen Klang einer mittels Auto-Tune verzerrten Stimme in Musik münden, die erfrischend neu, dynamisch und tatsächlich so authentisch wie die Musik von Sonne, Mond und Planeten klingt – auch wenn man sich über deren Klang wohl noch nie zuvor Gedanken gemacht hat.

Just listen, SufjanStevens. Hurry up to the next studio and record Planetarium. It’s amazing!

So twitterten wir Anfang April nach der Entdeckung von Planetarium. Eine offizielle Studioversion des kollaborativen Letztwerks von Stevens, Muhly und Dessner kann kaum noch abgewartet werden und würde mit ziemlicher Sicherheit das musikalische Highlight des Jahres werden – es sei denn, das Trio verschlägt es auf ihrer europäischen Spontan-Tour auch noch nach Wien.

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Zachary Lucky klingt alt, ist aber eigentlich jung. Das hört man beispielsweise bei Back In The Fall

Alexander — Sun, 18 Mar 2012 18:34:38 +0000

Singer of songs, friend of the road

So beschreibt sich Zachary Lucky selbst auf seinen Profilen im Internet. Und das glaubt man dem Singer/Songwriter schnell, entspricht doch seine für uns fast unaussprechliche Heimat Saskatchewan, zugleich auch Name seines letzten Albums, genau den Stereotypen des Genres. Google Maps zeigt die kanadische Prärieprovinz als weites, fast noch unerschlossenes Land, welches nur darauf wartet, von Folk-Barden wie Zachary Lucky bewandert und besungen zu werden. Das Ergebnis dieser perfekten Rahmenbedingungen sind dann mit “Back In The Fall” Paradebeispiele des Singer/Songwriter-Genres.

Während die eine oder andere Nummer auf Saskatchewan immerhin auch mit Streichern unterlegt oder im Duett gesungen wird, begnügt sich Zachary Lucky in “Back In The Fall” alleine mit seiner Gitarre – beziehungsweise einer Vielzahl an Gitarren. Saiten einer akustischen Gitarre werden hier ebenso angeschlagen wie jene vom Banjo und einer Lap-Steel-Gitarre. Gemeinsam mischen sie sich perfekt zu Luckys sentimentaler Stimme, die Entferntes besingt und die uns nicht nur zwischen den Zeilen von Dingen hören lässt, die weit weg sind – örtlich, wie zeitlich:

And all of the times I thought of you.
There was never any doubt that you were true

Auch wenn wir im Gegensatz zu Zachary Lucky vielleicht nicht durch die Weiten und Leeren einer Prärieprovinz wandern, so erleben wir Weiten und Leeren nicht selten genauso in unserem eigenen Leben, obwohl dieses oft dicht gefüllt, überfüllt gar ist. Und so können auch wir uns bei Luckys Zeilen zurücklehnen, seiner Musik lauschen und ihren langsamen Takt mitklopfen.

These songs are for Saskatchewan

Meint Zachary Lucky auf seiner Bandcamp-Seite. Das mag in seiner ursprünglichen Intention vielleicht stimmen, doch gefallen und inspirieren seiner Lieder mittlerweile auch ganz woanders. Schade, dass der Hörgenuss nicht über drei Minuten hinausgeht.

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Ivan Colon und Distance hätten wirklich perfekt zu Eternal Sunshine Of The Spotless Mind gepasst

Alexander — Thu, 23 Feb 2012 21:39:26 +0000

Paola Brugiatti Goyez stellt gerne Lieder auf YouTube und hinterlegt diese mit Musik. Unter dem Nutzernamen paola2185 machte sie das zuletzt im Sommer 2011 und wahrscheinlich war es damals einfach nur Zufall, dass sie zu Ivan Colóns Nummer “Distance” als bildliche Untermalung ausgerechnet Eternal Sunshine Of The Spotless Mind wählte. Das amerikanische Drama von Michel Gondry aus dem Jahr 2004 mit Jim Carrey und Kate Winslet in den Hauptrollen könnte nämlich nicht besser zur ruhigen, einfühlsamen Nummer des Amerikaners Ivan Colón passen – und umgekehrt könnte Ivan Colón auch nicht besser zu Eternal Sunshine Of The Spottes Mind passen.

Viel findet man nicht von Ivan Colón in den Weiten des Internets. Ein verwaistes MySpace Profil hier, eine wenig frequentierte Facebook Page da. Ivan Colón würde wohl wenig auf sich aufmerksam machen, wäre nicht zumindest seine EP Despite The Atlantic von 2008 auf Spotify zu hören und würden sich von dieser EP nicht Nummern wie “Distance” auf YouTube finden lassen. Ziemlich schade eigentlich, denn man würde immens viel verpassen; wir hätten immens viel verpasst.

Als den größten Einfluss auf seine Musik nennt Ivan Colón Sufjan Stevens. Das ist wenig überraschend, wenn man Colóns Musik erst einmal gehört hat. “Distance” ist dabei auf “Despite The Atlantic” nur ein Beispiel unter vielen. Jede der sieben Nummern könnte genauso eine Aufnahme von Sufjan Stevens sein. Das ist ein Vergleich, der keinesfalls nur müden Abklatsch impliziert. Ivan Colón gelingt es, ausreichend Individuelles seiner Musik beizumengen. Letzteres besonders durch authentische, ehrliche Texte, welche Themen wie den persönlichen Glauben ganz zentral behandeln. Dabei bleiben bei Colón aber stets die persönliche Aspekte seines Glaubens im Mittelpunkt stehen – und nicht etwa missionarischer Eifer.

I don’t try to mask the spirituality in my songs. If I need to say something, then I’ll make no apologies for it. My music does contain spiritual themes, but these appear only because I’m a Christian who happens to write songs.

Ob man mit dieser Spiritualität persönlich als Zuhörer etwas verbindet, oder nicht, ist dabei fast gleichgültig. Denn worüber Ivan Colón auch immer singen mag, man spürt, dass sein Innerstes erzählt – und da hört man gerne einfach nur mal zu.

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12 Kapitel, 36 Einträge. Im Yearbook von Sleeping At Last!

Alexander — Sun, 12 Feb 2012 17:38:52 +0000

Die Zeit von Oktober 2010 bis September 2011 war wohl eine besondere Zeit für Sleeping At Last. Innerhalb eines Jahres veröffentlichten die Amerikaner aus Wheaton, Illinois nicht weniger als zwölf EPs mit je drei neuen Songs – Monat für Monat also eine neue EP, betitelt mit dem entsprechenden Monatsnamen. Ende 2011 durfte man sich als Hörer dann über das gesammelte Werk freuen: Das Yearbook!

Aus der Fülle an EPs wurde in Form des “Yearbooks” eine Sammlung mit nicht weniger als 36 Einträgen – 36 Nummern also, von denen nicht eine einzige aus dem Rahmen zu fallen scheint. Angesichts des Aufnahmezeitraums von einem Jahr ist es erstaunlich, dass der Spannungsbogen niemals nachzulassen scheint. Höhepunkte finden sich somit schwer und nennt man diese, dann entbehren sie eines gewissen subjektiven Empfindens nicht – wie beispielsweise im Falle des ungemein elegische “The Ash Is In Our Clothes”, einer Instrumentalnummer, die ziemlich deutlich macht, was man als Hörer an Sleeping At Last’s Ryan O‘Neal und Dan Perdue hat.

Schon während der letzten Kapitel von “Yearbook” wurde bekannt, dass Bassist und Keyboarder Dan Perdue Sleeping At Last verlässt und sich anderen Projekten widmet. Sleeping At Last ist somit ganz allein Ryan O‘Neal und bleibt uns auch in dieser Form hoffentlich noch lange erhalten.

Geschrieben hat Alexander

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Ghosts I’ve Met. Blackwoods. Fragil

Alexander — Wed, 01 Feb 2012 18:37:55 +0000

Cigarettes in the rain,
it’s a long life anyway,
it’s a long life anyway.

Im Regen stehen und stehen bleiben. Sinnbild des Alleinseins. Müde werden und müde bleiben. Müde sein wollen. Genügsam – würde man meinen. Zustandslos – meint man. Sinnbild vieler Gegenwarten.

And the hardest thing was fallin’,
down the staircase gracefully,
to an unending sea of last
laughs given back to me.

Vor Schmerzen winden, vor Lachen krümmen. Zwei Extreme, nicht selten Hand in Hand. Beziehungen als Glashäuser. Dauerhaft mit Steinen beworfen, von Steinen getroffen – innen wie außen. Zerbrechlich, fragil. Wie könnte es anders sein? Nie könnte es anders sein.

Wine where the dark river bleeds
light through the trees,
fireworks for leaves.
Strange in the sadness like waves,
breaking of days,
only blackwoods remain,
only blackwoods remain.

Die Zeit Revue passieren lassen. Nachdenken, aber ohne Wunsch auf Erkenntnis. Blick nach vorne, nicht nach hinten. Flucht dorthin, wo nichts mehr nichts mehr sieht. Lösung auf Zeit. Für den Moment genug.

Geschrieben hat Alexander

Alexander schreibt am liebsten über die neuesten Entdeckungen aus den Genres Folk und Instrumental.

Train Leaves At Eight. The Walkabouts auf Europa-Tour

Alexander — Sat, 14 Jan 2012 18:03:50 +0000

The Walkabouts auf Europa-Tour – etwas, was zugleich Gültigkeit in der Vergangenheit, wie auch in der Gegenwart hat. Über beide Zeiten dürfen wir uns freuen! Einerseits dank des nur aus Cover-Versionen von Liedern kontinentaleuropäischer Künstler bestehenden Albums Train Leaves At Eight, welches auch heute, zwölf Jahre nach seiner Veröffentlichung, immer noch zu den besten Werken der amerikanischen Band aus Seattle zählt, andererseits dank der tatsächlich gerade stattfindenden Europa-Tour von Chris Eckmann, Carla Torgerson und Co. Und diese Tour bringt The Walkabouts morgen endlich auch wieder mal nach Wien.

Ob man am Sonntag in der Szene sonderlich viele Lieder aus “Train Leaves At Eight” erwarten darf, ist allerdings eher fragwürdig. Die Neu-Interpretationen haben einen derart eigenen Charakter und erzeugen eine derart eigene Stimmung, dass sie im direkten Vergleich mit Songs anderer Alben der Walkabouts zwangsläufig aus dem Rahmen fallen und nicht den Glanz verströmen können, den sie zusammen auf “Train Leaves At Eight” erzeugen. Sie klingen in ihrer Art tatsächlich derart unamerikanisch, dass man dahinter, verglichen mit Songs des politkritischen, auf Amerika zentrierten Albums Acetylene niemals die selben Musiker wie auf “Train Leaves At Eight” vermuten würde. Standen in der jüngeren Vergangenheit der Walkabouts also vermehrt wieder treibende Schlagwerke, elektronische Gitarren und auch Kraftausdrücke im Mittelpunkt (der Opener von “Acetylene” heißt bezeichnenderweise “Fuck Your Fear”), so überzeugte das Folk-lastige “Train Leaves At Eight” ungemein mit Feingefühl. Dieses machte sich bei der Auswahl der Lieder, bei der Interpretation, aber auch bei der Vermarktung bemerkbar. Sollte der Titel des Album anfangs etwas uninspiriert noch “Songs From Continental Europe” lauten, so stellte Walkabouts-Mastermind Chris Eckman zum Glück rechtzeitig treffend fest, dass ein wenig sentimentaler Titel wie dieser dem Album keineswegs gerecht geworden wäre:

Another name for this album might have been: Songs From Continental Europe. That is the place these songs call home. That is the abstraction from which they are born. However, that title would sorely miss the point of this project. This album is not a destination; it is an unfinished, personal journey. It is a quick flare across borders; both imagined and sturdy. It is the faint sound of the train as it turns the corner, away from well-worn landmarks and cultural filing cabinets.

So Chris Eckman in den Liner Notes zu Train Leaves At Eight im März 2000. Und tatsächlich: Als Hörer kann man schnell nachvollziehen, was Eckman mit diesen Zeilen in den Liner Notes sagen wollte. “This album is not a destination”. Nummern wie der Titel-Track “The Train Leaves At Eight” des Griechen Mikis Theodorakis oder “Man From Reno” des Bosniers Goran Bregovic können zwar ganz offensichtlich Orten zugewiesen werden, im Kontext jener anderen Nummern aber, mit denen sie sich rund 60 wunderbare Minuten auf “Train Leaves At Eight” teilen, wird die Bedeutung ihrer Herkunft zweitrangig, denn im Kollektiv ergeben sie eine grenzüberschreitende Geschlossenheit, die wohl nur durch Musik möglich ist. In diesem Sinne geht die musikalische Reise von Griechenland über Bosnien bis nach Slowenien, Italien, Spanien, Portugal, Frankreich, Belgien, Holland, Deutschland (Cover-Version von Blumfelds “So Lebe Ich”), Schweden und Norwegen (Cover-Version von Midnight Choirs “Death’s Threshold Step #2″). Weiten, die uns Europäer oft unüberwindbar erscheinen, werden durch die spielerische Leichtigkeit der Walkabouts relativiert und erscheinen einem dann viel kürzer, als man anfangs denken würde. Die fehlende Angst vor Weite ist auch schon das Einzige, was die Amerikaner aus ihrer Heimat in das Album eingebracht haben – und besser hätten sie ihre Auswahl nicht treffen können.

Übrigens: Auch wenn wir nicht damit rechnen, so hoffen wir morgen in der Szene insgeheim doch, dass The Walkabouts das eine oder andere Cover von “Train Leaves At Eight” zum Besten geben. Unsere Lieblingsnummer verraten wir im Nahhinein auf unserer Facebook Page.

Geschrieben hat Alexander

Alexander schreibt am liebsten über die neuesten Entdeckungen aus den Genres Folk und Instrumental.

Wenn Sufjan Stevens Silent Night neu interpretiert, dann jaulen zum 3. Advent sogar die Engel!

Alexander — Fri, 16 Dec 2011 18:07:07 +0000

Es war wie ein verfrühtes Weihnachtsgeschenk, als vor einem Jahr eine neue, wenn auch bis heute inoffizielle Songs for Christmas Volume von Sufjan Stevens in der Blogosphäre auftauchte. Wenige Tage vor Weihnachten wurde mit Volume 6 endlich ein weiterer Missing Link zwischen den als CD-Box veröffentlichten Volumes 1 bis 5 und der EP Volume 8 entdeckt. Und das war so schön, dass gleich zu Beginn der EP die Engel im Weihnachtsklassiker “Silent Night” vor Freude jaulten. Gloria!

Wir lieben Sufjan Stevens, das ist hinlänglich bekannt. Die Vorstellung jaulender Engel ist darum mit einem doppelten Augenzwinkern zu verstehen, entbehrt aber nicht einer gewissen Wahrheit. Tatsache aber ist, dass Stevens Interpretation von “Silent Night” bis zur abschließenden Wiederholung der Strophe in Jaulform der Inbegriff harmonischer Schönheit ist. Kein Wunder, war Stevens doch gemeinsam mit Aaron und Bryce Dessner von The National und Richary Parry von Arcade Fire am Werk, dank deren kongenialen Zusammenspiels selbst das Jaulen der Engel sein gutes Ende in absoluter Konsonanz findet und so auch wiederholtes Hören zu einem immer wiederkehrenden Genuss macht. Da ist es richtiggehend gut, dass wir diese Tage erst den dritten Advent gefeiert haben und wir dem unkonventionellen Engelsang noch ein wenig länger lauschen dürfen. Dieser Wohlzustand kommt gleich nach der Hoffnung, dass mit Volume 7 noch in diesem Jahr auch das letzte fehlende Stück in Sufjan Stevens “Songs for Christmas”-Puzzle gefunden wird.

Geschrieben hat Alexander

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For Folk’s Sake It’s Christmas! Oder zumindest schon 2. Advent

Alexander — Fri, 09 Dec 2011 19:18:42 +0000

Es weihnachtet, ob man es will oder nicht – und darum muss nun einfach mal gesagt werden: For Folk’s Sake It’s Christmas! Mit diesem Wortspiel verwöhnt die britische, der dortigen Folk-Szene verschriebene Website For Folk’s Sake zum zweiten Mal nach 2011 seine Hörerschaft mit einer Selektion aus bekannten klassischen und weniger bekannten, da neueren Weihnachtsliedern. Fast zwangsläufig klingt dieses Zusammenspiel dann zwar nicht immer ganz nach Weihnachten, aber zweifelsohne einfach gut. Was nur wenig Weihnachtsmusik erreicht, darf man “It’s Christmas 2011″ darum schon jetzt im Dezember zutrauen: Die Wahrscheinlichkeit, auch im Frühling noch gespielt zu werden.

For Folk’s Sake ist das Freizeitprojekt einer Handvoll Musikenthusiasten, die es sich zum Anliegen gemacht haben, über die Folk-Szene ihrer britischen Heimat zu schreiben. Eine äußerst dankbare Aufgabe, entstammen dem vereinigtem Königreich nicht zuletzt Independent-Stars von Weltruhm wie Mumford & Sons, The National oder Iron & Wine, über die allesamt auch auf diesem Blog schon geschrieben wurde. Eine Auswahl der Lieblingsinterpreten der For Folk’s Sake Redaktion steuerte wie schon im letzten Jahr Lieder für eine Weihnachtsselektion bei. Auch wenn man die bekanntesten Größen des Genres vermissen mag, so besticht die Tracklist rund um The Leisure Society, Devon Sproule und Paper Aeroplanes schnell durch gleichbleibende Qualität und erstaunlicher Konsistenz – fast so, als hätten sich alle beteiligten Künstler auf einmal ins Studio gezwängt und ihre Aufnahmen für “It’s Christmas 2011″ auf die Minute genau abgesprochen. Selbst ohne die weiter oben bereits angesprochenen Zugpferde der britischen Folk-Szene funktioniert die Compilation, weil sie, wie eine erfolgreiche Mannschaft im Sport, besonders durch ihr Kollektiv überzeugt. Und das ist etwas, was nicht viele Compilations zur Weihnachtszeit von sich behaupten können.

Für den Unkostenbeitrag von fünf britischen Pfund ist einem als Liebhaber des Genres Vorweihnachtsfreude gewiss. For Folk’s Sake – und um karitativer Zwecke willen. Der Erlös kommt einem Krebszentrum in London zugute.

Geschrieben hat Alexander

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Time Travel. Einmal Alessi’s Ark und zurück

Katrin — Sat, 22 Oct 2011 14:12:59 +0000

28 1/2 Minuten. 12 Lieder. Und die meisten davon nicht länger als 2 1/2 Minuten. Das ist Alessi’s Arks neues Album “Time Travel” in Zahlen, zumindest so ungefähr. Was jedoch viel wichtiger zu wissen ist: Diese Zeitreise ist nicht nur recht kurz, sondern vor allem ziemlich kurzweilig.

Es scheint so, als bräuchte Alessi Laurent-Marke fast gar nichts, um ihre Zuhörer in ihre kleine, feine Klangwelt zu entführen. Eins vor allem nicht: Zeit. Und damit muss man sich auf “Time Travel” abfinden. Intros oder Outros sind eher spärlich vorhanden und es kommt schon mal vor, dass ein Lied vorbei ist, ehe man sich die Melodie noch hätte merken können.

Doch zum Glück sind die Lieder von Alessi’s Ark charmant genug, um sie wieder hören zu wollen. Spätestens dann merkt man, dass bereits viel mehr ihrer Musik im Gedächtnis geblieben ist als angenommen. Wahrscheinlich sind die Melodien der 21-jährigen Britin einfach zu prägnant. Schlicht, aber prägnant. Ganz wie ihre Texte, die den Hörer mal fröhlich, mal traurig, mal nachdenklich, aber vor allem ehrlich durch dieses Album begleiten.

Anspieltipps:

28 1/2 Min: das komplette Album

2 3/4 Min: The Robot

1 1/4 Min: Blanket

Geschrieben hat Katrin

Katrin schreibt am liebsten über gute Musik wenn sie gerade Musik hört, hat es aber nicht so mit den Schubladen.