Das amerikanische Musiker-Ehepaar Jenny & Tyler veröffentlichte mit “For Freedom” eine EP, deren sämtliche Erlöse dem Kampf gegen Human Trafficking zugute kommen – absolut hörens- und unterstützenswert! Unterstützenswert weil … das ist selbsterklärend, hörenswert alleine wegen der Covers “The Scientist” von Coldplay und “I still haven’t found what I’m looking for” von U2.

Die EP kann über iTunes gekauft werden.

Geschrieben hat Alexander

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Während eines Umzugs kann der eigene Musikgeschmack schon mal auf den Kopf gestellt werden. Zumindest ein bisschen. Denn nach dem Packen der sechzigsten Umzugskiste, dem wiederholten Schichten dieser in mannshohe Stapel, dem Zerlegen einer Vielzahl an Möbel und der notwendigen Organisation zwischen all diesen Dingen, braucht man schon Musik, die einem auch nach Tagen des gleichen Prozedere noch Kraft, Motivation und Ausdauer gibt. Einer freundlichen last.fm-Recommendation sei Dank, dass man auf Spotify bei Michael Ketterer hängen geblieben ist. Und somit nicht beim Umzug.

Love/War/Solar System ist das bis dato einzige Werk von Michael Ketterer, einem amerikanischen Jugend- und Musikpastor aus Tennessee. Seine Musik auf Love/War/Solar System erinnert dabei weder an Kirche oder Lobpreis, ist sie doch mehr ein Mix aus elektronifiziertem Pop und Rock. Anfangs mag dieser Mix schnell etwas unbeholfen klingen, denn erst mit der Zeit verknüpfen sich Stile und Intentionen werden greifbar. Ähnliches gilt für die Texte. Anfangs noch abstrakt (“There’s a love war in the solar system”), werden sie schnell unmissverständlich: “You keep me from falling cause you are the vine and I am the branches”.

In dieser Ton- und Textart treibt Michael Ketterer sein Erstlingswerk voran. Und damit auch einen Umzug. Love/War/Solar System ist der sprichwörtliche Zug, auf den es aufzuspringen gilt. Hauptsächlich dafür verantwortlich: Die wichtige zweite Nummer eines Albums – in diesem Fall “Keep On Burning”.

Bei einer solch treibenden Nummer in den Laufsprechern verwundert es dann nicht, dass ein Umzug schnell vorangeht – vom Einpacken bis zum Auspacken, vom Abbau bis zum Aufbau. Und ja, da der Umzug nun vorbei ist, wird es hoffentlich auch kein weiteres 7-Wochen-Blog-Post-Loch auf the death cat mehr geben …

Geschrieben hat Alexander

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Es ist eigentlich kaum vorstellbar, dass sich Sam Billen mit seinem neuen Album Places nicht selbst überrascht hat. Als Hörer ist man es nämlich: Überrascht. Super-überrascht gewissermaßen, denn Sam Billen gelingt mit seinem Letztwerk eine derart gelungene Stilwandlung, wie man sie nur selten erlebt. Aus dem eher rauhen Folk-Barden, der über Kickstarter schon mal Geld für ein Weihnachtsalbum gesammelt hat, wurde ein Künstler, dessen filigrane Kompositionen ihren Vorbildern von Bon Iver und Dear Reader um nichts nachstehen.

Auch Places ist ein Kickstarter-Projekt. Dort wird folgendes verrarten:

Peerless Mastering will be adding the finishing touches to the album. They’ve mastered albums by Bon Iver, The Magnetic Fields, Spoon, etc. Need I say more?

Nach einer ersten Erkenntnisreaktion (Achso! Naja, ach dann!) merkt man schnell, das die bloße Anlehnung an etwas Großem noch lange nichts Großes hervorbringen muss. Zu oft wird aus der Anlehnung nämlich nur eine billige Kopie, die Gratwanderung zwischen Inspiration und Imitation wird gar zu selten gemeistert. Umso erstaunlicher ist dann schon, dass ausgerechnet eine DYI-Produktion eben nicht zur billigen Kopie, sondern zum perfekten Ableger wird.

Sam Billen singt, musiziert, produziert und vermarktet selbst. All das scheint irgendwie problemlos jenem simplen Statement zu entstammen, welches seine Website schmückt: Sam Billen makes music heißt es dort. Nicht mehr und nicht weniger. Und wenn “Places” noch dazu the closest I’ve come to expressing my deepest emotions – struggles and joys – in my music ist, also auch den Künstler, der uns ein tolles Werk beschert hat, beschert, dann ist das doch wirklich erstaunlich, oder? Denn von wunderbaren Nummern wie “Saltine”, “Choices”, “Oh Yeah Oh Yeah” haben wir alle was.

Geschrieben hat Alexander

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Es hat lange gedauert, um einen Zugang zu Jóhann Jóhannsson zu finden. Nämlich mehr als 300 last.fm-Scrobbles um genau zu sein. Geholfen hat dabei letztens Endes sein neues Album, der Soundtrack zum Film Copenhagen Dreams. Zwar war und ist auch schon sein Soundtrack von 2011, The Miner’s Hymns, hörenswert, aber erst mit “Copenhagen Dreams” knüpft Jóhannsson genau dort an, womit er 2010 mit seinem Album And In The Endless Pause There Came The Sound Of Bees schon mal angeklopft hat – an kurze, markante, dadurch einprägsame Kompositionen, deren Charakteristik stellvertretend für seine gesamte Musik ist: Elegant, eindringlich und “positiv melancholisch”.

Interessanterweise führte dieser “leichtere, da kürzere” Zugang zu Jóhann Jóhannsson dazu, dass auch seine epischen Werke, wie die eben bereits angesprochenen “Miner’s Hymns”, plötzlich wieder zu Dauerbrennern in der Playlist wurden. Die Unterschiedlichkeiten seiner beiden letzten Soundtracks lassen sich aber nicht nur auf deren Gesamtlänge und die Länger der einzelnen Stücke (die variieren nämlich von 0:55 bis 14:23 Minuten) reduzieren. Auch Intention und Intensität der “Miner’s Hymns” und von “Copenhagen Dreams” unterscheiden sich derart, dass man überraschenderweise als Hörer wirklich überrascht ist. Denn nicht selten neigen Filmmusik-Komponisten dazu, sich selbst zu wiederholen. Immer und immer wieder. Über viele Soundtracks hinweg, ungeachtet der Machart des Films.

Jóhann Jóhannsson, der Isländer mit dem eigentlich doch recht lustigen Namen hat nicht nur zwei tolle Scores abgeliefert, sondern auch zwei Independent-Filmproduktionen Türen geöffnet. Während die Bekanntheit beider Casts verschwindend klein ist, hat sich Jóhannsson bereits mehr als nur einen Namen in der Instrumental-Szene gemacht. Und nichts ist besser, als über etwas Vertrautes etwas Neues kennenlernen. Wir hoffen also, dass die beiden Filme auch in Österreich zu sehen sind …

Geschrieben hat Alexander

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Noah Gundersen macht Musik bisher nur im Kleinformat – und zwar in Form einfach eingespielter EPs wie “Family”. Unterstützt wird er dabei nur von Schwester Abby, die mit Violine und Hintergrundgesang einen Kontrastpunkt (beziehungsweise eine Vielzahl an Kontrastpunkten) zu Noahs eigenem Gesang und seinem Gitarrenspiel setzt. Das funktioniert gut. Sehr gut sogar. Nämlich auf die eindringlichste aller Arten.

Wenn Noah Gundersen singt, dann ist das nur eingeschränkt als Musik zu bezeichnen. Zumindest dann, wenn man Musik als Inszenierung versteht, denn Noah Gundersen inszeniert nicht, er sinniert – mit jedem Wort seiner Texte, mit jeder Emotion in seinen Melodien. Darum hören wir auf “Family” Zeilen wie …

David:

i want to hunt like David,
i want to kill me a giant man,
i want to slay my demons
but i’ve got lots of them, i’ve got lots of them

Fire:

When the devil came to visit me,
he said “Son, i am your enemy”
– fear me!
But it came to my surprise
i was drawn by the fire

Garden:

But wait, oh wait,
see how the morning breaks
It’s the simplest of love songs,
but it’s all our hearts can take
and though we lose our stake
heaven is where we make it,
even in the smallest places, can a garden grow

Auf der Bandcamp-Seite von Noah Gundersen ist die Rede davon, dass diesen Herbst ein “ordentliches Studioalbum” aus seinen EPs entstehen wird. Eigentlich wünschen wir uns das nicht, denn die Gefahr zu verlieren, was wir und über 10.000 andere Facebook-Fans durch seine EPs bisher gewonnen haben, ist einfach viel zu groß.

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Der Name der Jars Of Clay-EP lässt doch ziemlich genau auf ihren Inhalt schließen und mag auf den ersten Blick nicht sonderlich einfallsreich klingen. Ebenso ihr Cover. Es wirkt mit seinem einfachen Motiv und seiner kindlichen Farbwahl bestenfalls kurzfristig entstanden. Das verwundert insbesondere deshalb, weil Reinvent, Remember, Replay selbst alles hat, was dem Cover fehlt: Einfallsreichtum, Kreativität, Besonderheit. Und all das, obwohl es sich nur um Coverversionen eigener Songs handelt.

Nun ja, zugegebenermaßen handelt es sich bei den fünf Nummern nicht um irgendwelche Coverversionen, sondern um jene von Nummern, die bereits im Original zu den absoluten Top-Songs von Jars Of Clay gehörten. Neben neueren Nummern wie “All my Monsters” vom Letztwerk interpretieren die Amerikaner mit “Crazy Times” und “Tea and Sympathy” genauso Klassiker vom elegischen Much Afraid, einem ihrer ersten Werke. Was die Nummern dabei “reinvented” macht lässt sich schnell erhören. Jars Of Clay haben die Einfachheit und kindliche Gestaltung des Cover direkt auch in ihre Musik einfließen lassen. Reinvent, Remember, Replay wurde durch den viel direkteren Zugang in inhaltlicher wie musikalischer Hinsicht auf ihren Kern (auf das Notwendigste?) reduziert und wirken als Songs darum so authentisch und unmittelbar, wie schon seit ihrem Erstlingswerk aus dem Jahr 1995 nicht mehr. Und an diese Zeit erinnern wir uns wohl alle gerne – Stichwort: “Love Song For A Savior” – zurück …

Geschrieben hat Alexander

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Seit ihrem genauso einprägsamen wie eigenwilligen Hit I’ll Kill Her (2007) wartete man auf mehr. Mehr von der jungen Französin Stéphanie Sokolinski – auf den Bühnen dieser Welt auch besser bekannt als Soko.

Fünf Jahre hat es gedauert bis Sokos Debut-Album I Thought I Was an Alien letzten Monat dann schließlich herauskam. Das Warten hat sich gelohnt: 15 Titel und mindestens ebenso viele Geschichten. Die Sängerin und Schauspielerin beweist dabei viel Liebe zum Detail, ohne jedoch ihre Songs überzustrapazieren. Das Einzige was man auf der Platte “überstrapaziert” nennen könnte, ist das beinahe durchgehende Thema “Herz-Schmerz”. Andererseits, wie könnte man charmanter über Liebe und Leid singen als in französisch akzentuiertem Sprechgesang? Das hat Soko ja bereits in ihrem eifersuchtsgeladenen “I’ll Kill Her” bewiesen, zumindest klang darin sogar die Morddrohung süß.

Zurück zu “I Thought I Was an Alien”. Bereits die Einleitung “I Just Want to Make It New With You” besticht durch Ehrlichkeit.

You will discover me through my songs

Learn my heart breaks and fears and depression

Hear all the cracks and the lack of talent

And I hope that you don’t hate me by then

So schlimm wird es nicht kommen. Bereits beim zweiten Titel “I Thought I Was an Alien” fühlt man sich wie auf Urlaub irgendwo in Sokos Welt. Es geht in gemächlichem, ehrlichem Ton weiter. Im Vordergrund stehen Sokos kleine Geschichten, die dann immer wieder in zarte Melodien übergehen, begleitet von Gitarren, Streichern, ein paar Drums. Man muss Soko wohl schon zuhören wollen, um bei den teilweise recht emotionalen Liedern mitgehen zu können. Und vielleicht gelingt das deshalb so gut, weil die Worte nicht groß sind, die Stimme nicht überschwänglich, sondern auf minimalistische Art und Weise über große Gefühle gesungen wird. Gerade wenn man meint, man wüsste langsam was als nächstes kommt, überrascht Soko mit ihrer direkten, schlichten und manchmal trockenen Wortwahl. Und man spürt auch, dass in diesem Album Zeit steckt. Wieviel, das kann man nur ahnen, wenn die heute 25-Jährige mal von sich als 18-, mal als 22-Jährige singt.

Nach einem hitverdächtigem Song wie dem jetzt bereits zum dritten Mal erwähnten “I’ll Kill Her” wird man auf der Platte vergebens suchen, dennoch geht man nach Hören von “I Thought I Was An Alien” nicht mit leeren Händen davon. Zurück bleibt vor allem Sokos erfrischende Ehrlichkeit und das Gefühl ein paar bewegenden Momenten einer jungen Künstlerin ganz nah gekommen zu sein.

Geschrieben hat Katrin

Katrin schreibt am liebsten über gute Musik wenn sie gerade Musik hört, hat es aber nicht so mit den Schubladen.

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Marshall und Vivian – zwei Alben von Lowercase Noises, die man einfach nicht getrennt voneinander betrachten kann. Das merkt man schon an den beiden Titeln, spätestens aber an den doch recht schönen Covers.

Andy Othling steht hinter Lowercase Noises – und auf den Covers seiner Alben Marshall und Vivian hinter seiner schwangeren Frau, auf deren Bauch er seine Hände behutsam legt. Die Inspirationsquellen seiner beiden Alben sind da nur mehr unschwer zu erkennen und verwundern kaum. Verwunderlicher mag da beim erstmaligen Hören aber die Art der Musik sein, mit der Othling seinem Kindersegen Ausdruck verleiht. Im Ambient- und Instrumental-Genre angesiedelt klingen Marshall und Vivian nicht unbedingt so, wie man sich Alben für Kinder oder Kindern gewidmete Alben vorstellt. Ganz im Gegensatz zum einst bei uns beleuchteten Until The Light Of Morning von Essie Jain, welches als Konzeptalbum, wenn auch exzellent, stereotypische Vorstellungen zum Thema Schlaflied behandelt. Der Grund, warum Marshall und Vivian anfangs nur wie gute Vertreter des Ambient- und Instrumental-Genres klingen, nämlich reduziert, beruhigend, gewissermaßen dezent und zuvorkommend gar, ist ganz einfach der, dass es keine Alben für, sondern wegen Kindern sind. Ohne Zweifel würde man also die feinen Klangteppiche aus Klavier, Gitarren und Streichern lange alleine aufgrund ihrer Schönheit hören, aber erst in Verbindung mit ihren Covers und dem Wissen, warum sie entstanden sind, werden Marshall und Vivian entscheidend besonders und erzeugen jene Emotionen, von denen es immer gut ist, genug zu haben: Hoffnung, Freude, Zuversicht.

Das Paradebeispiel findet sich mit “The Things Your Eyes Have Seen” auf Marshall. Die sich nach und nach steigernde Instrumentierung bei gleichbleibender Melodie wirkt fast so, als würde die Geschichte einer Familie nacherzählt werden. Mit einem Gefühl der Dankbarkeit als Happy End.

Im Bewusstsein dessen, dass das Leben nicht immer so rosig sein kann und es für den Moment einfach schön ist, derart positive Musik hören zu können, hoffen wir also noch auf weiteren Kindersegen bei Andy Othling – und dadurch noch mehr Musikgenuss für uns.

Geschrieben hat Alexander

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Die Zeit von Oktober 2010 bis September 2011 war wohl eine besondere Zeit für Sleeping At Last. Innerhalb eines Jahres veröffentlichten die Amerikaner aus Wheaton, Illinois nicht weniger als zwölf EPs mit je drei neuen Songs – Monat für Monat also eine neue EP, betitelt mit dem entsprechenden Monatsnamen. Ende 2011 durfte man sich als Hörer dann über das gesammelte Werk freuen: Das Yearbook!

Aus der Fülle an EPs wurde in Form des “Yearbooks” eine Sammlung mit nicht weniger als 36 Einträgen – 36 Nummern also, von denen nicht eine einzige aus dem Rahmen zu fallen scheint. Angesichts des Aufnahmezeitraums von einem Jahr ist es erstaunlich, dass der Spannungsbogen niemals nachzulassen scheint. Höhepunkte finden sich somit schwer und nennt man diese, dann entbehren sie eines gewissen subjektiven Empfindens nicht – wie beispielsweise im Falle des ungemein elegische “The Ash Is In Our Clothes”, einer Instrumentalnummer, die ziemlich deutlich macht, was man als Hörer an Sleeping At Last’s Ryan O‘Neal und Dan Perdue hat.

Schon während der letzten Kapitel von “Yearbook” wurde bekannt, dass Bassist und Keyboarder Dan Perdue Sleeping At Last verlässt und sich anderen Projekten widmet. Sleeping At Last ist somit ganz allein Ryan O‘Neal und bleibt uns auch in dieser Form hoffentlich noch lange erhalten.

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The Walkabouts auf Europa-Tour – etwas, was zugleich Gültigkeit in der Vergangenheit, wie auch in der Gegenwart hat. Über beide Zeiten dürfen wir uns freuen! Einerseits dank des nur aus Cover-Versionen von Liedern kontinentaleuropäischer Künstler bestehenden Albums Train Leaves At Eight, welches auch heute, zwölf Jahre nach seiner Veröffentlichung, immer noch zu den besten Werken der amerikanischen Band aus Seattle zählt, andererseits dank der tatsächlich gerade stattfindenden Europa-Tour von Chris Eckmann, Carla Torgerson und Co. Und diese Tour bringt The Walkabouts morgen endlich auch wieder mal nach Wien.

Ob man am Sonntag in der Szene sonderlich viele Lieder aus “Train Leaves At Eight” erwarten darf, ist allerdings eher fragwürdig. Die Neu-Interpretationen haben einen derart eigenen Charakter und erzeugen eine derart eigene Stimmung, dass sie im direkten Vergleich mit Songs anderer Alben der Walkabouts zwangsläufig aus dem Rahmen fallen und nicht den Glanz verströmen können, den sie zusammen auf “Train Leaves At Eight” erzeugen. Sie klingen in ihrer Art tatsächlich derart unamerikanisch, dass man dahinter, verglichen mit Songs des politkritischen, auf Amerika zentrierten Albums Acetylene niemals die selben Musiker wie auf “Train Leaves At Eight” vermuten würde. Standen in der jüngeren Vergangenheit der Walkabouts also vermehrt wieder treibende Schlagwerke, elektronische Gitarren und auch Kraftausdrücke im Mittelpunkt (der Opener von “Acetylene” heißt bezeichnenderweise “Fuck Your Fear”), so überzeugte das Folk-lastige “Train Leaves At Eight” ungemein mit Feingefühl. Dieses machte sich bei der Auswahl der Lieder, bei der Interpretation, aber auch bei der Vermarktung bemerkbar. Sollte der Titel des Album anfangs etwas uninspiriert noch “Songs From Continental Europe” lauten, so stellte Walkabouts-Mastermind Chris Eckman zum Glück rechtzeitig treffend fest, dass ein wenig sentimentaler Titel wie dieser dem Album keineswegs gerecht geworden wäre:

Another name for this album might have been: Songs From Continental Europe. That is the place these songs call home. That is the abstraction from which they are born. However, that title would sorely miss the point of this project. This album is not a destination; it is an unfinished, personal journey. It is a quick flare across borders; both imagined and sturdy. It is the faint sound of the train as it turns the corner, away from well-worn landmarks and cultural filing cabinets.

So Chris Eckman in den Liner Notes zu Train Leaves At Eight im März 2000. Und tatsächlich: Als Hörer kann man schnell nachvollziehen, was Eckman mit diesen Zeilen in den Liner Notes sagen wollte. “This album is not a destination”. Nummern wie der Titel-Track “The Train Leaves At Eight” des Griechen Mikis Theodorakis oder “Man From Reno” des Bosniers Goran Bregovic können zwar ganz offensichtlich Orten zugewiesen werden, im Kontext jener anderen Nummern aber, mit denen sie sich rund 60 wunderbare Minuten auf “Train Leaves At Eight” teilen, wird die Bedeutung ihrer Herkunft zweitrangig, denn im Kollektiv ergeben sie eine grenzüberschreitende Geschlossenheit, die wohl nur durch Musik möglich ist. In diesem Sinne geht die musikalische Reise von Griechenland über Bosnien bis nach Slowenien, Italien, Spanien, Portugal, Frankreich, Belgien, Holland, Deutschland (Cover-Version von Blumfelds “So Lebe Ich”), Schweden und Norwegen (Cover-Version von Midnight Choirs “Death’s Threshold Step #2″). Weiten, die uns Europäer oft unüberwindbar erscheinen, werden durch die spielerische Leichtigkeit der Walkabouts relativiert und erscheinen einem dann viel kürzer, als man anfangs denken würde. Die fehlende Angst vor Weite ist auch schon das Einzige, was die Amerikaner aus ihrer Heimat in das Album eingebracht haben – und besser hätten sie ihre Auswahl nicht treffen können.

Übrigens: Auch wenn wir nicht damit rechnen, so hoffen wir morgen in der Szene insgeheim doch, dass The Walkabouts das eine oder andere Cover von “Train Leaves At Eight” zum Besten geben. Unsere Lieblingsnummer verraten wir im Nahhinein auf unserer Facebook Page.

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Wenn man seine Alben und Songs des Jahres noch vor Weihnachten auswählt, dann sollte man danach besser keine Alben mehr aus diesem Jahr hören. Unter Umständen kann es dann nämlich vorkommen, dass einem Musik, die man in den Tagen bis Neujahr hört, ungemein begeistert und man sich wünschen würde, man hätte sie in der Auflistung der besten Alben oder Songs berücksichtigt. Genau das ist uns zuletzt mit einem Album passiert, welches uns zu Weihnachten zwar schon bekannt, aber eben noch nicht vertraut war: Bon Iver von Bon Iver!

Bon Iver ist das zweite Album des amerikanischen Singer/Songwriters Justin Vernon und heißt gleich wie dessen künstlerisches Alter Ego. Ziemlich sicher nicht ohne Grund, denn Bon Iver (das Alter Ego) klingt auf “Bon Iver” (dem nach sich selbst benannten Werk) irgendwie … wie er selbst – oder zumindest so, dass es nach kurzer Zeit für uns Hörer ziemlich klar wird, dass sein Album keinen Namen, keine weitere Erklärung mehr braucht. Das weiß man, ohne das man Bon Iver selbst oder die Geschichte zum Album zwangsläufig kennen muss. Kurzum würde man das Album also als authentisch beschreiben. Oder darüber hinaus mit ganzheitlich.

Die Teile, die zu diesem Ganzen führen, beginnen schon im Kleinen – beispielsweise in der Bedeutung des Namens Bon Iver selbst. Lautmalerisch hat Vernon sein Kunstwort dem französischen “Bon Hiver” entnommen, was übersetzt soviel wie “Schöner Winter” heißt. Möglicherweise haben wir Vernons Musik erst deshalb im Winter so bewusst wahrgenommen. Möglicherweise konnten wir darum auch erst jetzt dem Album all die wunderbaren musikalischen Details entnehmen, die entfernt an eine gezeichnete Winterlandschaft erinnern. Verstärkt wird die Fiktion durch Vernons Route, die er uns Hörer in Form der Tracklist von “Bon Iver” präsentiert. Mit Nummern wie “Perth”, “Minnesota, WI”, “Michicant” oder “Hinnom, Tx” zeichnet Vernon einen Weg von Stadt zu Stadt, von dem wir wissen, dass es ihn nicht gibt (Wo liegt Michicant?), den wir aber dennoch lauschend mit ihm bestreiten. Bon Iver schafft mit seiner Musik im übertragenen Sinne somit wohl das, was einst Renaissance-Künstlern wie Joachim Patinier oder Pieter Bruegel d.Ä. zugeschrieben wurde: Weltlandschaften – teils reale, teils surreale und dadurch grotesk wirkende Landschaften und Orte. Gemalt hat sie Justin Vernon mit, so wie man ihn bis dato von seinem Debütalbum For Emma, Forever Ago kannte, akustischen Gitarren und folkigen Arrangements, neu aber auch mit viel Elektronik durch Synthesizer, wodurch Klänge entstanden, deren Spektrum wohl auch für Bon Iver selbst neu war. Zusammen mit seiner fast in jeder Nummer ungemein zerbrechlichen Kopfstimme sind die Ergebnisse dieser Reise facettenreiche Klanglandschaften, die man heute als Hörer so erstaunt bewundern darf, wie man es einst wohl als Betrachter von Gemälden wie Der düstere Tag von Pieter Bruegel d.Ä. getan hat:

Alles in allem ist Bon Iver die perfekte Mischung gelungen, um beim heute manchmal übersättigten Hörer durch Musik wieder Faszination auszulösen. Und auch wenn wir das nicht sofort erkannt haben, so sagen wir schlichtweg: Besser spät als nie! Und möglicherweise überlegen wir uns ja auch noch einen Sonderpreis für Bon Iver’s “Bon Iver” (not!).

Und übrigens: Weltlandschafts-Gemälde wie “Der düstere Tag” sind im Kunsthistorischem Museum in Wien zu bewundern. Für kurze Zeit sogar noch in der Sonderausstellung Wintermärchen.

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Es weihnachtet, ob man es will oder nicht – und darum muss nun einfach mal gesagt werden: For Folk’s Sake It’s Christmas! Mit diesem Wortspiel verwöhnt die britische, der dortigen Folk-Szene verschriebene Website For Folk’s Sake zum zweiten Mal nach 2011 seine Hörerschaft mit einer Selektion aus bekannten klassischen und weniger bekannten, da neueren Weihnachtsliedern. Fast zwangsläufig klingt dieses Zusammenspiel dann zwar nicht immer ganz nach Weihnachten, aber zweifelsohne einfach gut. Was nur wenig Weihnachtsmusik erreicht, darf man “It’s Christmas 2011″ darum schon jetzt im Dezember zutrauen: Die Wahrscheinlichkeit, auch im Frühling noch gespielt zu werden.

For Folk’s Sake ist das Freizeitprojekt einer Handvoll Musikenthusiasten, die es sich zum Anliegen gemacht haben, über die Folk-Szene ihrer britischen Heimat zu schreiben. Eine äußerst dankbare Aufgabe, entstammen dem vereinigtem Königreich nicht zuletzt Independent-Stars von Weltruhm wie Mumford & Sons, The National oder Iron & Wine, über die allesamt auch auf diesem Blog schon geschrieben wurde. Eine Auswahl der Lieblingsinterpreten der For Folk’s Sake Redaktion steuerte wie schon im letzten Jahr Lieder für eine Weihnachtsselektion bei. Auch wenn man die bekanntesten Größen des Genres vermissen mag, so besticht die Tracklist rund um The Leisure Society, Devon Sproule und Paper Aeroplanes schnell durch gleichbleibende Qualität und erstaunlicher Konsistenz – fast so, als hätten sich alle beteiligten Künstler auf einmal ins Studio gezwängt und ihre Aufnahmen für “It’s Christmas 2011″ auf die Minute genau abgesprochen. Selbst ohne die weiter oben bereits angesprochenen Zugpferde der britischen Folk-Szene funktioniert die Compilation, weil sie, wie eine erfolgreiche Mannschaft im Sport, besonders durch ihr Kollektiv überzeugt. Und das ist etwas, was nicht viele Compilations zur Weihnachtszeit von sich behaupten können.

Für den Unkostenbeitrag von fünf britischen Pfund ist einem als Liebhaber des Genres Vorweihnachtsfreude gewiss. For Folk’s Sake – und um karitativer Zwecke willen. Der Erlös kommt einem Krebszentrum in London zugute.

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Rot, Orange, immer noch Grün, Braun, Wärme, Nässe, Sonne, Kälte, Wind durch Bäume, Wind durch Laub. Die Faszination dieser Tage ist ihre Vielschichtigkeit – es herbstet und alleine offene Augen genügen, um wunderbare Vielfalt selbst dann zu sehen, wenn die Natur um uns langsam einschläft. Und dieses Dämmern scheint genau die richtige Zeit für die Entfaltung von Grown Unknown, dem musikalischen Ankommen von Lia Ices in unsere Welt zu sein. Zwar ist “Grown Unknown” auch im Frühling, Sommer und Winter wunderbar zu hören, aber in keine Jahreszeit passt das Debütalbum von Lia Ices wohl besser als in den Herbst.

Wie Temperaturen im Herbst, so schwanken auf “Grown Unknown” auch Dramaturgien von Nummer zu Nummer und innerhalb der einzelnen Nummern. Der Name des Albums scheint also kein Zufall zu sein. Unbekanntes Wachsen. Die einzige Konstante in diesem Auf, in diesem Ab bildet die Stimme von Lia Ices, das dominierende Instrument, welches durch Umfang und Intonation Facettenreichtum schafft. An diesen hat man sich in “New Myth”, dem das Album abschließendem Highlight von “Grown Unknown”, fast schon gewöhnt. Immer wieder aufs Neue faszinieren dagegen die ersten Nummern des Albums. Insbesondere dann, wenn man nach etwas Abstand wieder beim Opener “Love is Won” landet. Lia Ices summt an, stimmt an, holt aus, hallt und echot. Auch “Daphne” verdeutlicht das. Die Instrumentierung abseits der Stimme tut dabei ihr Übriges, um Ices Stimme zu tragen, ohne sie aber zu ersticken. Mit sanften Rhythmen und Klavierklängen, dezenten Backing Vocals und Orgeltönen wird schnell klar, dass abseits der Stimme jegliche Instrumentierung auf “Grown Unknown” zwar nicht unbedingt spärlich, aber immer zweckgebunden und dadurch fast zwangsläufig bescheiden ausfällt. So ergibt “Grown Unknown” ein ungemein rundes Bild, welches durch Vollständigkeit in Vielschichtigkeit besticht und in dessen Schönheit man sich verlieren darf – eben ganz wie im Bild einer wunderbaren Herbstlandschaft!

Es erklärt sich somit von selbst, wann, wie und wo Lia Ices mit ihrer Musik am deutlichsten zu bestechen weiß: Genau jetzt, über gute Kopfhörer und in freier Natur! Also in etwa so, wie es Lia Ices selbst bei ihrem in Rom gedrehten Video zu “Love is Won” gemacht hat.

Geschrieben hat Alexander

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28 1/2 Minuten. 12 Lieder. Und die meisten davon nicht länger als 2 1/2 Minuten. Das ist Alessi’s Arks neues Album “Time Travel” in Zahlen, zumindest so ungefähr. Was jedoch viel wichtiger zu wissen ist: Diese Zeitreise ist nicht nur recht kurz, sondern vor allem ziemlich kurzweilig.

Es scheint so, als bräuchte Alessi Laurent-Marke fast gar nichts, um ihre Zuhörer in ihre kleine, feine Klangwelt zu entführen. Eins vor allem nicht: Zeit. Und damit muss man sich auf “Time Travel” abfinden. Intros oder Outros sind eher spärlich vorhanden und es kommt schon mal vor, dass ein Lied vorbei ist, ehe man sich die Melodie noch hätte merken können.

Doch zum Glück sind die Lieder von Alessi’s Ark charmant genug, um sie wieder hören zu wollen. Spätestens dann merkt man, dass bereits viel mehr ihrer Musik im Gedächtnis geblieben ist als angenommen. Wahrscheinlich sind die Melodien der 21-jährigen Britin einfach zu prägnant. Schlicht, aber prägnant. Ganz wie ihre Texte, die den Hörer mal fröhlich, mal traurig, mal nachdenklich, aber vor allem ehrlich durch dieses Album begleiten.

Anspieltipps:

28 1/2 Min: das komplette Album

2 3/4 Min: The Robot

1 1/4 Min: Blanket

Geschrieben hat Katrin

Katrin schreibt am liebsten über gute Musik wenn sie gerade Musik hört, hat es aber nicht so mit den Schubladen.

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Wer hat zwischendurch nicht mal Lust auf schöne Geschichten? Geschichten voll tiefer Vertrautheit und Geborgenheit, erfüllter Sehnsucht und erwiderter Liebe!

Your Love Is Better Than Wine

I Am My Lover’s & My Lover Is Mine

If You Find My Lover, Tell Him I Am Faint With Love

So die Titel einiger Nummern auf The Song Of Songs, dem neuesten Werk des Amerikaners Andrew Rose Gregory. Die Nummern tragen ihre lyrischen Titel ebenso wenig zufällig, wie das Album seinen Namen. Andrew Rose Gregory interpretiert auf seinem Letztwerk nichts Geringeres als das Hohelied der Liebe, auch bekannt als Salomos Hohelied, dem alttestamentlichen Buch der Bibel, welches in poetischer Sprache von einer Liebesbeziehung zwischen Mann und Frau erzählt. Dank Verwendung der originalen, biblischen Texte darf “The Song Of Songs” gewissermaßen als musikalisches Hörbuch gelten. Wunderbar also für Liebende und all diejenigen, die es noch werden wollen.

Musikalisch zieht Andrew Rose Gregory gemeinsam mit seiner The Color Red Band eine Vielzahl an Register, um der hohen literarischen Vorlage des Hohelieds zu entsprechen: Volle Band-Instrumentierung, erweitert mit Bläsern und Streichern, dazu Gesang solo, im Duett und im Chor. Auch wenn die potentielle Gefahr groß ist, so ist doch kein einziges gezogenes Register zu viel. Es scheint genau die richtige Mischung zu sein, um der Vielschichtigkeit des Hohelieds gerecht zu werden. Dass auf die richtige Mischung Augenmerk gelegt wurde, sieht man alleine schon am Charakter der einzelnen Lieder. Das Instrumentalstück leitet über zum emotionalen Duett, die Ballade folgt der beschwingten Folklore-Nummer. Dass auch die Lead-Stimme hinter dem Mikrofon, genauso wie die Erzählperspektive in der Bibel, regelmäßig zwischen Mann und Frau, zwischen Andrew Rose Gregory und seiner Schwägerin Sarah Gregory wechselt, ist dabei nur ein weiteres Zeichen dafür, dass bei diesem Projekt die literarische Vorlage und nicht eigene Absichten im Vordergrund standen. Einzig mit dem Cover will ein leider nicht unwesentliches Element nicht ganz in das ansonsten runde Erscheinungsbild von “The Song Of Songs” passen, denn Andrew Rose Gregory ist im an sich schönen Artwork von Stephen Halker einerseits viel zu präsent abgebildet, andererseits erschreckend unmotiviert gesetzt worden. Noch vor dem ersten Hören wird unweigerlich der Fokus von “The Song Of Songs” verrückt. Im Mittelpunkt steht nicht ein mehrere tausend Jahre altes Buchs, sondern eine Einzelperson – und das trifft eben überhaupt nicht zu, hört man die Vertonung des Hohelieds! Alles in Allem ist “The Song Of Songs” aber dennoch ein erstaunlich konsistentes Gesamtwerk, dass insbesondere aufgrund seiner musikalischen Authentizität zu überzeugen weiß. Da wundert es einen schon, dass dieses Projekt beinahe in der Schublade verschwunden wäre. Zum Glück aber wusste Andrew Rose Gregory selbst am Besten über das Potential seines Werks Bescheid und ging einen unkonventionellen, aber zukünftig wohl wegweisenden Weg der Produktion: über die Fundraising-Plattform Kickstarter!

I will come play the “Song of Songs” record wherever you want me to […] Yes, I will play at weddings

Das versprach Andre Rose Gregory Unterstützern, die bereit waren das “The Song Of Songs”-Projekt mit 3000 US Dollar zu unterstützen. Derartige Großinvestoren wurden zwar nicht gefunden, die 9000 für die Aufnahme und Produktion benötigten US Dollar konnten aber dennoch erfolgreich aufgetrieben werden. Und das ist ein Beispiel, wie man anno 2011 im Musikgeschäft mit Einfallsreichtum Nachhaltiges schaffen kann, denn 384 Unterstützer sorgten für nicht weniger als 10,427 US Dollar – die Basis für das kollektive Werk wurde also kollektiv geschaffen! All diejenigen, die erst durch diese Zeilen von diesem außergewöhnliche Projekt erfahren, dürfen das fertige Projekt über Bandcamp anhören, herunterladen und somit weiter unterstützen. Vielleicht entsteht dadurch ja auch eine Fortsetzung. Ausreichend gute Bücher hätte die Bibel ja noch zu bieten.

Geschrieben hat Alexander

Alexander schreibt am liebsten über die neuesten Entdeckungen aus den Genres Folk und Instrumental.

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Svarte Greiner ist niemand. Nun ja, eigentlich ist er schon jemand, nämlich Erik K. Skodvin vom norwegischen Ambient-Duo Deaf Center, aber in seinem Nebenprojekt als Svarte Greiner ist Skodvin tatsächlich niemand. Bewusst. Denn auch seine Musik, in diesem Fall Knive aus dem Jahr 2006, ist nichts – musikalisch betrachtet handelt es sich um eine Aneinanderreihung von Tönen und Geräuschen, verstärkt durch unterschiedliche Effekte. Und auch wenn in Ersteindrücken die Aneinanderreihung dieser Töne und Effekte ungewöhnlich, unausgeglichen klingt und sich Harmonien scheinbar vergeblich suchen, so ist “Knive” doch Alltagsmusik. Wenn auch nicht für den Alltag, dann auf jeden Fall aus dem Alltag. Und aus diesem Blickwinkel betrachtet, stellt sich auch Faszination für Svarte Greiner schnell ein.

Man kann es sich womöglich wirklich so vorstellen: Skodvin schlendert mit Aufnahmegerät durch die Welt und sammelt für seine Musik ein, was ihm an Geräuschen so auf seinen Wegen begegnet: den Schrei einer Krähe, das Knarren einer Türe, das helle Tönen aufeinander schlagender Klingen. Dazu werden unterschiedliche Stimmen und Gesänge oder auch die klassischen Klänge eines Cellos gemischt – entsprechend verzerrt und mit Effekten versehen mündet das auf “Knive” in Stücke mit lyrischen Titeln wie “The Boat Was My Friend” oder “Ocean Out Of Wood”, die eines deutlich machen: “Knive” ist, trotz seiner lange nicht greifbaren Vielschichtigkeit, nicht nur musikalische Spielwiese, nicht nur Labor für wenig zielgerichtete Klangexperimente, sondern ein Fantasie anregendes und dadurch audiovisuelles Werk, das sich nach viel Zeit durch Gehörgänge ins Bewusstsein gräbt, sich dort entfaltet und wächst. Die Musik in Svarte Greiner’s Projekt “Knive” ist demnach wirklich so, wie sie auf Pitchfork mit nur einem einzigen, für Musik eigentlich unnatürlichen Wort treffend beschrieben wird: Organisch! Als Beispiel “The Boat Was My Friend”:

Erik K. Skodvin kommt gemeinsam mit Alexander Rishaug am 12. November ins Wiener rhiz. Da es bis zu ihrem Auftritt also noch einige Wochen dauert, sei für die Zwischenzeit jeder zu einem “Svarte Greiner”-Experiment ermutigt: “Knive” hörend durch eine herbstlich dämmernde Stadt spazieren! Ein ungemein interessantes und eindrucksvolles Erlebnis!

Geschrieben hat Alexander

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Es verhält sich oft sehr ähnlich, wenn auf Alben einzelne Nummern derart herausstechen, wie “The Railyard” auf October’s Road von Balto: Man verfällt dieser einen Nummer, hört diese – wie man gerne sagt – “rauf und runter” und läuft dabei in Gefahr, nur mit dieser ein ganzes Album, einen ganzen Künstler gar zu verbinden. Ein gutes Beispiel sind hierfür wohl die Amerikaner von Fleet Foxes, die man in ihren Anfängen fast ausschließlich aufgrund der Nummer “Mykonos” von der EP Sun Giant kannte. Auch bei “October’s Road”, dem Debütalbum von Balto, kann es einem schnell ähnlich ergehen, denn “The Railyard” dominiert als Opener die ersten Minuten derart, dass alle weiteren Minuten fast zwangsläufig nur noch enttäuschen oder zumindest – etwas dezenter formuliert – weniger begeistern können. Aber ist “October’s Road” berechtigterweise ein Album, welches sich auf “The Railyard” reduzieren lässt?

Balto came into being when Daniel Sheron abandoned his life in Moscow, Russia and went alone into Siberia. Against an ever shifting backdrop of railways and desolate wastes, he wrote a cycle of songs to tell the story of what had happened in that strange country, why he had exiled himself, and why he thought it mattered. In train cars and crumbling cities he encountered PEOPLE, and they inhabited the songs he was writing and the notes he was taking.

So Balto auf ihrer Bandcamp-Seite zu “October’s Road”. Eine Beschreibung, die definitiv zu “The Railyard” passt, wo man die Weite der Erzählung, die Dichte an Empfindungen und die Tiefe von Gedanken in jeder der gut fünf Minuten förmlich spürt. Lediglich zweimal wird man als Hörer von Sheron und Co. den spannenden Erzählungen von fernen Ländern und geheimnisvollen Frauen entrissen, um in Form des Refrains das wahrscheinlich schönste Stück Poesie zu hören, welches seit langem zu Papier und “zu Musik” gebracht wurde.

It’s lonesome out here on the road,
where the last points of fire that light the night sky
burn down to their embers and flicker and die.

My fingers go numb in the cold,
where the last little spark that’s disrupting the dark
is that last bit of feeling that’s left in my heart.

Worte, die einschlagen, als hätte man sie selbst gesagt, Gefühle, die erlebbar sind, als wären es die eigenen. Balto haben somit nach weniger als zwei Minuten schon ein Ziel erreicht, welches man mit Musik dieses Genres gewissermaßen verfolgt: Nämlich den Hörer abzuholen und ihm in der Musik ein zuhause zu geben, welches dieser immer wieder gerne aufsucht. Wie können neun weitere Lieder einem solchen Maßstab folgen? Realistischerweise kaum und so bleibt fast zwangsläufig der Eindruck, als sei jede Nummer nach “The Railyard” lediglich Füllstoff, um Albumlänge zu erreichen. Und das ist sicherlich nicht wahr, würden sie doch alleine, ohne mit “The Railyard” im Gespann, ein wunderbares Folk-Album ergeben. So aber, im Kollektiv mit ihrem Opener, leiden sie unter diesem. Die Beschwingtheit in “Elizabeth the Bumblebee” leidet, die Reflexion in “Self Portrait” leidet ebenso. Soviel man mit einer Nummer wie “The Railyard” auch richtig machen kann, so viel kann man mit einem Album wie “October’s Road” falsch machen. Ohne das richtige Gleichgewicht erscheinen Kunstwerke unrund, wirken unvollständig gar. Insofern wussten Fleet Foxes womöglich ganz genau, warum sie “Mykonos” auf einer eigenen EP veröffentlichten. Und auch im Falle von “The Railyard” wäre das wohl besser gewesen.

Geschrieben hat Alexander

Alexander schreibt am liebsten über die neuesten Entdeckungen aus den Genres Folk und Instrumental.

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